La Actuación Orgánica

La Formación Actoral

BASADO EN “EL MÉTODO” DE LEE STRASBERG Y LA TÉCNICA DE STELLA ADLER

La formación del actor consta de tres etapas:

-El trabajo sobre sí mismo

Sobre la Acción y la Relación con los otros

-Sobre escenas de obras que le permitan al actor ejercitar las aptitudes adquiridas en las anteriores etapas, dentro de contextos dramáticos prefijados” (Lee Strasberg)

¿Qué es la Actuación Orgánica?

Una de las principales características de la técnica de Constantin Stanislavski, que es de donde deriva LA ACTUACIÓN ORGÁNICA, es que el aporte de herramientas para que el actor entre en conexión con su interior para el fortalecimiento del conocimiento de sus capacidades, carencias y bloqueos.

Cuando se es niño, se tiene un gran sentido de expresar emociones y sentimientos, así como también una gran sensibilidad, originado esto por el innato deseo de experimentación del mundo.

Sin embargo, esto se va perdiendo a medida que vamos creciendo, debido a que la sociedad va dictando una serie de pautas, normas y patrones que por lo general no son bien conducidas y que van generando bloqueos de emociones.

LA ACTUACIÓN ORGÁNICA nos permite una actuación real, vívida, que trae como consecuencia una verdad escénica.

El primer paso para entender y/o conocer el ABC de esta técnica,  es la puesta en práctica de una serie de ejercicios individuales y prácticos que otorgan las herramientas necesarias para que el actor perfeccione y sepa utilizar sus propios recursos

!Y como consecuencia se activa la sensibilización actoral!

Antecedentes de La Actuación Orgánica

CONSTANTIN STANISLAVSKI

El padre del teatro moderno. Paralelamente a su trabajo como director y actor, Stanislavski llevó a cabo una importantísima labor como pedagogo, creando el llamado «método de las acciones físicas», conocido también como.

De Bundesarchiv, Bild 183-18073-0003 / CC-BY-SA 3.0, CC BY-SA 3.0 de, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=5422161

La preocupación fundamental de Stanislavski fue la de luchar contra un estilo de actuación grandilocuente, basado en el cliché, el estereotipo repetitivo y vacío de emociones que imperaba en su época.

Reaccionó contra el divismo y se opuso a la actuación narcisista dirigida hacia el espectador sólo en busca de aplausos.

Rescató al actor como artista.

Propuso un modelo de actor honesto consigo mismo y con su arte, un actor que trabaje sobre la verdad, ya que para el maestro ruso no existía arte sin verdad (LA GRAN VERDAD EN ESCENA).

Elevó al actor a la categoría de creador.

A la noción idealista de la creación vinculada a conceptos escasamente objetivos como talento, intuición, genio, inspiración; opuso un elevado profesionalismo en el actor, basado en un método que le permitía encontrar estados emocionales auténticos y dejar de depender de la aparición azarosa de los mismos.

Hasta ese momento, los manuales de actuación se limitaban a describir los rasgos externos aconsejables para la manifestación de los diversos estados de ánimo, personajes y caracteres.

Se le ofrecía al actor una lista completa de recursos (normalmente gestos estereotipados) para representar la alegría, el dolor, la pena, la bondad, etc., lo que conducía al cliché y a una actuación mecánica.

A este tipo de actuación Stanislavski opone una actuación orgánica, basada en la verdad escénica. Lo que atrae su atención no es la manifestación exterior de los sentimientos, sino su origen, la lógica de su nacimiento y desarrollo.

El contenido fundamental de su método consiste en la creación de una imagen escénica viva, sobre la base del espíritu creador del intérprete. El actor no debe aparentar en el escenario, sino existir de verdad; no debe representar, sino vivir.

Es decir sentir, pensar y comportarse sinceramente en las circunstancias de la ficción.

LEE STRASBERG

Director teatral estadounidense de origen polaco. Continuador de las técnicas de interpretación desarrolladas en el Teatro de Arte de Moscú por Constantin Stanislavski, desarrolló en los Estados Unidos su propio Método.

Lee Strasberg

En 1947 se une a la creación de una de las más famosas escuelas de actuación: el Actor’s Studio, que fue el foco para una generación de actores jóvenes comprometidos con un nuevo estilo experimental de interpretar su arte.

Definió a la actuación como “la capacidad para reaccionar ante estímulos imaginarios y manifiesta que sus presupuestos esenciales son una sensibilidad fuera de lo común y una inteligencia extraordinaria para comprender los procesos del alma humana”.

STELLA ADLER

Actriz estadounidense, consagrada en Broadway y considerada como una de las más destacadas profesoras de interpretación y quién dejó un gran legado. 

Proveniente de un familia actoral, fue parte significativa de un movimiento teatral que prosperó en Nueva York desde finales del siglo diecinueve hasta bien entrada la década de 1950, luego, años más tarde Stella Adler se dedicó a la enseñanza de la interpretación.

http://De Trailer screenshot – Shadow of the Thin Man trailer, Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=2293502

Fue la única actriz estadounidense que recibió clases directamente de Constantín Stanislavski, cuando ella y el Group Theatre, se interesan por aprender de este Maestro cuando los deslumbró con su puesta en escena de La Gaviota cuando estuvo de gira por Estados Unidos.

Como es bien conocida la historia, sus diferencias de opinión con Lee Strasberg sobre la correcta enseñanza del sistema Stanislavski, contribuyeron a la disolución del grupo y cada quién tomó su camino como Maestros de actuación.

¿En que no estaban de acuerdo?

Mientras Strasberg apostaba en un principio por la memoria emocional para lograr grandes momentos orgánicos en los actores, Adler apostaba en el uso de la imaginación en conjunto con “el otro” y el espacio.

Importante: LOS ACTORES NO NECESITAN -NI DEBEN- MASTURBARSE EMOCIONALMENTE EN ESCENA, ESO NO ES LO QUE EL PÚBLICO DESEA VER… 

lo que el público desea ver es una historia (en cine, teatro o tv) que les diga algo o que los entretenga, que sea tan real como la vida misma.

Ahora bien, ¿qué sucede si combinamos un poco el legado de estos Maestros?

Primero, deseo dejar claro que uso de la memoria emocional o memoria emotiva no puede ser un hecho perturbador para el actor.

El mismo Strasberg mediante su largo proceso de enseñanza y estudio del hecho actoral estableció una serie de herramientas para lograr conexiones o estados emocionales auténticos sin afectar la psiquis del actor, pues cuando esto ocurre el resultado es “sencillamente” un mayor bloqueo del actor.

Por eso la Memoria Emotiva es el último recurso que debe ser utilizado, y se utiliza SIEMPRE Y CUANDO no sobrepase los limites de sanidad emocional y SIEMPRE Y CUANDO el actor así lo decida, es decir, antes de utilizar esta herramienta hay muchas más sobre las cuales trabajar, como por ejemplo, la Memoria de los Sentidos (https://www.clayhernandez.site/memoria-sensorial/) 

Y si esto lo combinamos con el desarrollo de uno de los “músculos” más importante en un actor creador, que es la IMAGINACIÓN, suceden momentos asombrosos, artísticamente sublimes de gran contenido emocional y verdad escénica…

Pero es importante recalcar que todas estas herramientas las utilizamos en consecuencia y luego de trabajar el primer recurso y más importante: el SÍ MÁGICO (https://www.clayhernandez.site/?s=si+magico)

Y esa combinación es la que justamente trabajo en LA ACTUACIÓN ORGÁNICA, en la formación del actor, en el trabajo del actor en su escena, en la creación del personaje y en mis sesiones de coaching actoral, luego de años de enseñanza y feedback de alumnos y actores con quienes he trabajado.

Mi proceso de enseñanza

Mi taller sobre “LA ACTUACIÓN ORGÁNICA” ha sido diseñado para dar a conocer las herramientas con las que cuenta el actor para el desarrollo de un trabajo orgánico en escena, enfocándome primordialmente en tres ítems básicos:

– Ejercicios Sensoriales, que buscan el despertar de los Sentidos y su Memoria

-Ejercicios Individuales, que buscan la consecución del proceso orgánico del participante. El conocimiento del Actor sobre sí mismo.

– Ejercicios Grupales, que buscan el trabajo del actor y su relación con «El Otro»

– Trabajo sobre Escenas (Escogidas en el transcurso del Taller, o bien escenas que previamente esté trabajando el Actor Participante)

“El actor debe ser un observador atento no sólo en la escena, sino también en la vida real. Debe concentrarse con todo su ser en lo que lo atrae; debe mirar un objeto, no como un transeúnte distraído, sino con penetración, porque de lo contrario su método creador no guardará relación con la verdad de la vida ni con su época”.

Constantin Stanislavski

“El verdadero actor no actúa, sino que siente, crea y proyecta”

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