EL ACTOR MALTRATADO

Síndrome del Actor Maltratado

 

Una vez escuché un dicho que dice algo así (palabras más, palabras menos): «si no lo logras como actor, métete a profesor», como si «lograr ser actor» tenga que ver con lograr fama o fortuna, y como si para ser profesor de actuación no sea mucho más adecuado primero que nada ser actor/actriz.

Sin embargo, este refrán me hace reflexionar sobre el tema, cuando me topo (y me ha pasado muchas veces, lamentablemente) con un Actor Maltratado por ese ser que debería, además de instruirlo, impulsarlo, apoyarlo y contagiarle pasión por la actuación, brindarle las herramientas necesarias para crearle confianza y seguridad.

Profesores de actuación, como en todos los oficios o profesiones, hay de muchos tipos. Es decir, hay quienes dan su vida y brindan su pasión por enseñar y ayudar en la formación de un Actor, unos con más o menos talento, con más o menos don de enseñanza, con más o menos experiencia, con más o menos pedagogía o con más o menos background.

Hay quienes deciden dar clases por muchas razones: pasión, vocación, experimentación, etc. Algunos simplemente deciden que es una manera más estable de ganarse la vida dentro del arte actoral.Todos de una forma u otra merecen respeto, y sobre todo aplausos, ya que es muy loable lo que hacen. Es un acto de gran belleza y humanidad enseñar, brindar herramientas sin mezquindad y sin recelos para aportar al mundo un talento que ha empezado a pulirse, y que seguirá en ello.

Los que no merecen ningún tipo de respeto, y que deberían buscar otra manera de lidiar con sus fantasmas, son aquellos que cual maltratador/a se aprovecha de la vulnerabilidad de una persona para satisfacer sus bajos instintos…

Porque sí, no hay nadie más vulnerable que un Actor en formación, es decir, que ese alumno que se pone de pie frente a sus compañeros y realiza sus primeros ejercicios actorales. A los Actores, y sobre todo aquellos que hacen sus primeros pininos como alumnos tenemos que tratarlos con guantes de seda, pues están emocionalmente desnudos y con el miedo a flor de piel por la expectación de su futuro actoral.

Todos llegan a sus primeras academias, cursos o talleres actorales con una pregunta que les ronda en su cabeza: «¿seré realmente bueno/a para esto?», ”¿tendré realmente talento o será sólo una ilusión?» Y no es justo que un/a desalmado/a herido/a, se crea en el derecho de responder a esas preguntas de manera frustrante. Claro, esto no significa ser endeble, y no enseñarles de la disciplina del Actor (ese es otro tema).

He conocido a muchos Actores Maltratados, unos como alumnos, otros ya como colegas. Y tengo muchos ejemplos de estos casos que he conocido a lo largo de todos los años que llevo dando clases de actuación. Les cuento uno.

«hay que aguantarse, el profe es el que sabe y si grita es porque quiere que uno aprenda». Por mucho que traté de explicarle lo mal que estaba esa situación – que a mi parecer proviene de esa «vieja escuela» originada justamente por falta de formación de estos «profesores», pues no me imagino a Stanislavski, o algún otro gran Maestro, gritando, insultando o minimizando a sus Actores en formación- no quiso o no puso entender.

Entonces me di cuenta que era difícil sacarlo de allí, pues como todo ser humano maltratado, su razonamiento es parecido al «me hiere porque me quiere», «me humilla para que aprenda».

Este Actor que les comento ya presentaba toda la sintomatología del Actor Maltratado: un Actor carente de herramientas, con pocas posibilidades de crear, y que para salvarlo, porque sí es posible hacerlo, requiere de un proceso terapéutico importante que le devuelva la confianza, que le haga abra los ojos para que reconozca de qué y de quién ha sido víctima y, por supuesto, que le devuelva la capacidad de creer en sí mismo.

Un profesor maltratador, necesita una víctima para dominar y crearle dependencia. Es la forma que buscan acariciar su ego, a través del miedo, pretendiendo imponer respeto de una manera muy grotesca, cruel y por supuesto, sin una gota de ética.

Como consecuencia tendremos a un Actor indeciso y con una autoestima muy baja, o peor aún, un Actor que el mundo jamás disfrutará, un Actor no nacido, pues abandonará su sueño, su carrera, su Don de por vida.

Y ni siquiera estoy entrando en un tema también muy grave. El del «respetable» profesor o profesora conocido y admirado por muchos, pero que busca siempre aprovecharse del desconocimiento, de la ambición y la necesidad de reconocimiento del incipiente actor o actriz que llega sus manos, convirtiéndose en una relación protagonizada por el colchón y no por el escenario.

Por supuesto, aquellos Actores que no lo aceptan, quedan traumados ante esta primera gran decepción. Y es que esta primera impresión, quizás no les permite pensar en lo deprimente que son estos profesores y profesoras que tienen que usar este tipo de manipulación para poder acostarse con alguien, sino que muchos terminan pensando que será el común denominador en sus carreras, por lo tanto, prefieren desistir de su sueño.

Cuando un profesor de Actuación te diga que «eres muy joven», «muy viejo», «muy flaco», «muy gordo», «no tienes el look»… O peor aún, que «no tienes talento», huye, corre de allí y salva tu Don, salva tu anhelo, salva tu sueño, ¡salva tu vida!

Este es un tipo de VIOLENCIA que no debes permitir. ¡JAMÁS!

Hay algunos síntomas que debes tomar en cuenta para saber si has sido, o estás siendo víctima de maltrato, es decir, si eres un Actor Maltratado. Si sientes que tu profesor:

1. Desvaloriza siempre lo que haces: los ejercicios actorales que realizas, las improvisaciones y escenas en clase.2. No sientes que te hace una crítica constructiva, sino que más bien realiza una burla de tu trabajo.

2. Te hace sentir que eres un Actor poco talentoso o poco valioso frente a tus compañeros (colegas)

3. Desvaloriza e ironiza tus inquietudes, tanto de forma pública como privada.

4. Te sientes poco valorado. Sientes que tu esfuerzo y dedicación frente a un reto actoral no ha valido la pena, o que nunca es suficiente.

5. No valora ni respeta tus propuestas en clase.

6. Te compara con otros alumnos o actores, o incluso hasta con él mismo.

7. Sientes que no puedes manifestar tu opinión por miedo a que se enfade, te grite o haga comentarios hirientes.

8. Sientes que sin este profesor en tu vida, no lograrás sobrevivir como actor/actriz.

9. Sientes que te ha manipulado o maltratado, pero te dice que es por tu bien, para formar tu carácter como actor/actriz.

10. Te amenaza o advierte que si lo contradices te expulsará del curso o de la agrupación.

Si te sientes o has sentido así, quiero decirte que estás a tiempo. Huye de ese maltrato. Sana ese trauma. Si bien te

esté ocurriendo ahora mismo, o te haya ocurrido hace años, déjame decirte y pedirte que te des cuenta que EL PROBLEMA LO TIENE ESE PROFESOR MALTRATADOR. ¡NO TÚ!

Aunque suene a frase trillada, realmente NADIE es quién para decirte que NO puedes.

Retoma tu camino, retoma tu sueño, respeta tu Don.

Recuerda que al final, el Maltratador es una persona controladora, con muy bajo nivel de autoestima y que por ello necesita «bajar» a los demás, para no sentirse en el foso. Que además de ser muy inseguro de sí mismo, tiene poca capacidad para gestionar su propias emociones y empatía. Que este hombre o esta mujer fue victima y por ello ahora es victimario. ¡Rompe tú con esa cadena!
Por último, les comparto una historia que escuché hace poco y que tiene un gran su texto aleccionador:
«Esta la historia de una niña que desde muy pequeña había descubierto su gran pasión que era bailar ballet. Con la ayuda de sus padres empezó a recibir clases. Practicaba y practicaba sin descanso, soñando que algún día llegaría su oportunidad.

Pasaron los años y se conviertió en una adolescente muy talentosa y entregada a su Arte. Un día leyó en el período que llegaría a su ciudad un importante director internacional que buscaba nuevos talentos para que formasen parte de su compañía.

Pensando que había llegado su gran oportunidad, consiguió audicionar para él. Cuando terminó le preguntó ansiosamente: «¿Cree que tengo talento para convertirme en una gran bailarina?». «En absoluto. No tienes talento para convertirte en una gran bailarina, y menos en una bailarina excepcional», le contestó este afamado director.

El sueño de esta chica se le cayó en pedazos. De regreso a su casa tiró las zapatillas en un cubo de basura. Los años pasaron. Olvidó su sueño. Se casó, tuvo dos hijos, consiguió trabajo en un supermercado… Y así «vivía». Undía, en el mismo periódico, ests chica

lee que el director que había ido años atrás a buscar nuevos talentos, volvería a la ciudad a dar una representación de ballet. Quiso ir a verlo. Consiguió una entrada y fue con su marido.

Ella vibró, lloró, se emocionó a ver a esas bailarinas bailnado de una manera tan magnífica. Y como conocía a uno de los empleados del Teatro, consiguió ir acercarse al director al terminar la función.

«Lo primero que quiero es decirle que me ha parecido mágico lo que he visto. Quería darle la enhorabuena y darle las gracias. Ud. no se acordará de mi, pero estuvo hace muchos años en esta ciudad buscando nuevos talentos…»
«Sí, si, claro que recuerdo haber estado aquí», le respondió él.

Ella continuó: «Yo baile delante de Ud.?

«Ah sí? ¿Y que pasó?», preguntó el director.

«Pues, que Ud. me dijo que no tenía talento y abandoné mi sueño»

A lo que el director respondió: «Eso se lo digo a todos»

Ella muy emotiva le replicó: «¿Qué se lo dice a todos?»

-«Si, a todos», respondió él.

Ya muy alterada ella, le confrontó: «Yo abandoné mi sueño porque creí lo que me dijo, y ahora me comenta que eso se lo dice a todos?»

El director le aclaró: «Naturalente señorita. La vida me ha demostrado que al final quienes alcanzan sus sueños son los que creen más en sí mismos, que en lo que otros creen de ellos«

Este post se lo dedico con mucho cariño a todos esos Actores y Actrices que sólo se atreven a subirse al escenario en la intimidad de su almohada.

Pd: (Profesores, Actores: masculino y femenino)

Redacción: Clairet Hernández

SILVIA SANABRIA

"Cuando iba a comenzar a grabar mi serie "Servir y Proteger", comencé a busca cosas de "El Método" y en esa busqueda de coach de actores, me encontré por casualidad a Clay..."

CARMELA LLORET:

"Clay hace un trabajo profundo del personaje y de la escena, te ayuda de manera práctica y concreta, definiendo los verbos de acción a cada momento, y te estimula a que ..."

ARLETTE TORRES

"Contar con la asesoría y entrenamiento de Clairet ha sido todo un plus para mi trabajo. Es una gran profesional; asertiva e intuitiva en sus indicaciones y sugerencias..."

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ORGÁNICO VERSUS NATURAL

Tipos de Actores

Comienzo un primer ciclo de Notas Actorales para actores y actrices profesionales y noveles, y el tema que he escogido es sobre los tipos de actores.

¿Es lo mismo ser un actor «Natural» que ser un actor «Orgánico»?

Diferencias.

¿Qué diferencia a un actor natural y a un actor orgánico?

MEMORIA DE LOS SENTIDOS

Los Ejercicios Sensoriales

 

Activar la memoria de los sentidos

Para hablar de la memoria de los sentidos, los «ejercicios sensoriales» o «ejercicios senso-emotivos». destaco que, a mi parecer, son el gran legado de los Maestros Stanilavsky y Lee Strasberg, pero que han sido poco entendidos y poco valorados.

A través de mis años impartiendo el «Taller La Actuación Orgánica«, siempre me he encontrado con poca receptividad de los alumnos a practicar estos ejercicios, ya que en un principio no perciben la gran utilidad que tienen, pero cuando comienzan a ver resultados se apasionan por ellos.

Y por supuesto, esto ha hecho que a través del tiempo haya cambiado mi manera de guiarlos, consiguiendo una manera más «atractiva» de enamorarlos a entrenar (revivir) su Memoria Sensorial sin dejar de hacerles ver que el entrenamiento actoral debe ser sumamente disciplinado:

Si fuésemos Corredores no podemos pensar que vamos a hacer una gran carrera de un día a otro. Debemos ir poco: comenzar por caminar, luego trotar, fortalecer músculos etc.

 

¿Quién debe realizar estos ejercicios sensoriales? ¿Para qué fortalecer nuestra memoria de los sentidos?

Esa inquietud, o inquietante impaciencia de todo aquel que empieza en estas lides (sin importar la edad, ni la madurez) y que desea acelerar el paso para estar pronto en un escenario, en una película o en la TV, debe convertirse siempre en sed de aprendizaje, en hambre de experimentación.

Porque si concienciamos que la Actuación es una PROFESIÓN que merece y necesita ser respetada desde la primera fase del aprendizaje (por ejemplo, un estudiante de medicina jamás pensaría que a los dos meses de entrar en la Universidad está capacitado para hacer una operación de corazón abierto) entonces entenderemos que la Formación de un Actor es algo delicado, y que va de A a la Z, no de Q a la Z.

Con todo ello, quiero enfatizar que la formación de un actor orgánico comienza por el DESPERTAR SENSORIAL, proceso que por supuesto está íntimamente relacionado con el «Trabajo del Actor sobre sí mismo».

 

EL DESPERTAR SENSORIAL

El DESPERTAR SENSORIAL no es otra cosa que el revivir o poner a flor de piel la memoria de los sentidos (Una memoria que todos tenemos, pero que vamos dejando de usar conscientemente a medida que vamos creciendo)

 

¿Qué es la Memoria de los Sentidos?

Es (en lenguaje coloquial) el archivo de sensaciones que comenzamos a llenar desde nuestras primeras experiencias, desde que somos bebés.

El ejemplo que siempre doy: Observen a un bebé comiendo por primera vez un alimento. Observen como lo saborea, como lo huele, como se lo riega en su rostro, en su ropa, como juega, como EXPERIMENTA con ese alimento que es una novedad para él.

Pues lo que está haciendo es comenzando a llenar su archivo de sensaciones que mantendrá el transcurso de su vida y que podrá recrear en el momento que desee, bajo ciertas condiciones como: estar concentrado, estar centralizado, estar entrenado.

 

Todo esto es un proceso elemental y primario del ser humano.

 

Cuando decidimos ser actores orgánicos y comenzar a entrenar nuestra memoria de los sentidos, utilizamos, obviamente, los ejercicios sensoriales. Y estos tienen CINCO SENTIDOS (estoy jugando con la sintaxis adrede) principales para realizarlos:

 

El sentido de la memoria de los sentidos

 

Primer sentido sensorial:

1– Los ejercicios o entrenamiento sensorial tienen como objetivo PRINCIPAL el rescate de la memoria sensorial. Cuando digo rescate, es porque es simplemente hacerla consciente, pero nuestra memoria sensorial siempre está activa, aunque la dejemos pasar desapercibida.

Por ejemplo, cuando llega la época decembrina en cada región o ciudad comienza a existir una atmósfera diferente llena de olores, luces, sabores, que nos traen una emoción, o «estado anímico» particular.

Nos demos cuenta o no, ese estado anímico puede durar horas, días, semanas. Esto es porque nuestra memoria sensorial (olfativa, gustativa, táctil, visual y/o auditiva) se activa y nos hace revivir un recuerdo (una situación, una persona, un objeto) lo que nos lleva a una emoción.

Para ponerlo un poco más claro:

Llega diciembre y voy caminando por una calle y de repente, de alguna casa sale un olor de un dulce navideño casero. En seguida me entra una melancolía, y es porque el olor me hace recordar a las vacaciones navideñas en familia de años anteriores donde donde la abuela horneaba ese dulce que acabo de oler casualmente.

Y ojo, es un ejemplo que puede tener diferentes inflexiones, es decir, en vez de darme melancolía, me puede dar una gran alegría al recordar el momento familiar, ya que todo dependerá de nuestro archivo vivencial.

Otro ejemplo de fácil entendimiento es la Música… La música es un estimulante natural de conexiones emocionales… Alguien puede negarlo?

 

Segundo sentido sensorial:

2- Otro objetivo (o sentido) de estos ejercicios es el trabajo, desarrollo o reforzamiento (según sea el caso) de la CONCENTRACIÓN del actor. Con cada sesión de entrenamiento sensorial se va fortaleciendo o desarrollando el «Círculo de Soledad».

Como le digo siempre a los alumnos, se puede caer el mundo a nuestro lado, pero debemos esforzarnos en concentrarnos en el procedimiento de experimentación de nuestro ejercicio…

Y OJO, esto es muy importante: EN CADA SESIÓN DE EJERCICIO SENSORIAL NUESTRA META ES CONCENTRARNOS EN EL PROCEDIMIENTO (experimentación) JAMÁS BUSCAREMOS RESULTADOS!!!

 

Tercer sentido sensorial

3- Cuando vamos realizando el entrenamiento sensorial vamos creando un archivo nuevo dentro del archivo vital que hemos llenado sin darnos cuenta (sin saber cómo o para qué)

Este nuevo archivo será llenado con pinzas, escogiendo solamente lo que nos va resultado «interesante» para nuestro trabajo actoral, pero a la vez nos ayuda a llenar de estímulos cada uno de nuestros sentidos (vista, tacto, olfato, tacto, el gusto) que nos ayudará a ponerlos «a flor de piel», evocando emociones o sensaciones apenas recurramos a estos estímulos, mediante su recreación.

 

Cuarto sentido sensorial

4– Los Ejercicios Sensoriales nos ayudan a resolver problemas de escena, en cualquier momento, en ensayo o en plena función (Mientras más estimulado- más lleno nuestro archivo sensorial a través del entrenamiento diario- tengamos la memoria sensorial, más fácilmente podremos recrear un ejercicio sensorial)

Por ejemplo, cuando en una escena perdemos el «Sentido de la Verdad» de la sensación de miedo que debemos tener debido a una circunstancia, antes de fingirla (ALGO PROHIBIDO PARA UN ACTOR ORGÁNICO) recurrimos a un ejercicio sensorial de frío (es lo que a mi me funciona) y que como estamos entrenados sensorialmente, no necesitaremos mucho aspaviento para recrearlo.

 

Quinto sentido sensorial

5- Al entrenar la memoria sensorial a través de estos ejercicios, nos llenamos de una inmensa cantidad de estímulos que derivan en creaciones artísticas

Lo anterior, no sólo lo pienso, sino que he comprobado personalmente y a través de varios alumnos.

Es decir, no solamente es para los actores, sino para músicos, escritores, poetas, pintores.

Pues los sentidos, su memoria, la concentración, el dejar fluir emociones evocadas por estos, hace que los niveles de creación aumenten debido a la conexión total con nuestras emociones, y como artistas, esa sensibilidad se hace imperiosamente presente para escribir, componer, pintar, actuar, dirigir…

Como digo constantemente, algunos le llaman Musa, yo prefiero llamarlo Descubrimiento.

 

El entrenamiento para la mejora de la memoria sensorial

Por último, cabe destacar, que es muy importante ir entrenando cada sentido por separado… Siempre recomiendo empezar por el oído, luego el olfato, luego el tacto, (el sentido del gusto se realiza normalmente a la vez con los anteriores) y terminar con el visual, agudizando nuestro sentido de observación.

Luego pasaremos a la fase mixta, donde combinaremos la recreación de elementos con dos o más sentidos, para llegar a la meta que es recrear cualquier ejercicio o elemento automáticamente mientras estamos en escena, mediante un diálogo, sin perder la concentración y sin perder conexión con «LO MAS IMPORTANTE EN ESCENA: EL OTRO»

Y además descubriremos con cual sentido tenemos más fortaleza, pues a algunos actores nos funciona mejor un sentido que otro, y de allí podemos originar nuestra «magia» actoral. O sea, yo como actriz uso mayormente el sentido del olfato, porque descubrí que este me conecta mayormente. Cada actor descubrirá cual le trae mayor ventaja.

Un ejemplo clásico, es la gran actriz y representante de «El Método» Sally Field, que siempre ha comentado que el sentido auditivo es el que utiliza para su concentración, para su conexión.

La música es su gran instrumento actoral (¿Acaso la música no es una de las más importantes herramientas que nos potencian la memoria de los sentidos?)

Además, los ejercicios sensoriales no sirven únicamente para evocar emociones!! Sino, para Resolver «Problemas» en escena, y resolver de manera orgánica, por ejemplo: El Alcohol!! Realizar un ejercicio sensorial de alcohol nos resuelve realizar un trabajo totalmente orgánico de una «borrachera»…

Si nuestro personaje está bebiendo en escena, o entra borracho (pedo) en escena (existen varios niveles de alcoholismo), un ejercicio previo de alcohol nos evitará caer en el cliché de borracho.

También, si nuestro personaje tiene algún dolor, no fingiremos el dolor, lo recrearemos! Cómo? Con un ejercicio sensorial de Dolor Físico (y Ojo, no es que vamos a pegarnos con un martillo en cabeza para recrear una jaqueca… Hay maneras de recrear este dolor sin, lógicamente, hacernos daño)

 

Cuidado!!

Y hablando de hacernos daño: debemos estar abiertos a experimentar estos ejercicios sin que nuestra integridad física o emocional corra peligro…!

Yo misma, cuando estaba como alumna, para recrear el Frío, tuve la no aconsejable idea de llenar de hielo y agua fría una bañera (tina) y sumergirme en ella a las 5 de la mañana…

Lo hice durante cuatro días seguidos. El resultado fue una gripe intensa que casi termina en bronquitis… Allí comprendí que el extremo de la experimentación es peligroso.

También he tenido un par de alumnos que han comenzado a realizar su ejercicio sensorial de «Mal olor» con olores tan intensos y tóxicos que casi se desmayan…

Cuando me lo han contado les he dicho: «Oye! De qué te sirve ese olor si luego al recrearlo en una función y te desmayas? Cómo se le explica al público que no se desmayó el personajes sino que el actor fue extremista con su entrenamiento, y que disculpen, pero que la función ha terminado porque el actor debe ir a urgencias?»

Los invito entonces a comenzar a activar esos radares sensoriales y entrenar nuestra memoria sensorial!!

Redactado por:

Clairet Hernández

SILVIA SANABRIA

"Cuando iba a comenzar a grabar mi serie "Servir y Proteger", comencé a busca cosas de "El Método" y en esa busqueda de coach de actores, me encontré por casualidad a Clay..."

CARMELA LLORET:

"Clay hace un trabajo profundo del personaje y de la escena, te ayuda de manera práctica y concreta, definiendo los verbos de acción a cada momento, y te estimula a que ..."

ARLETTE TORRES

"Contar con la asesoría y entrenamiento de Clairet ha sido todo un plus para mi trabajo. Es una gran profesional; asertiva e intuitiva en sus indicaciones y sugerencias..."

¿CÓMO ABORDAR AL PERSONAJE?

¿Es normal que comenzar a abordar un nuevo personaje te haga sentir vulnerable?

Meryl Streep en un entrevista más o menos reciente, le preguntaron si con todo el éxito que tiene su gran trayectoria, llena de nominaciones y premios,  se sentía más segura a la hora de enfrentarse a un nuevo personaje, a lo que respondió: «Tengo siempre mil miedos (…) En cada película comienzo desde el principio, pierdo la confianza en mí misma y Don, mi marido, continuamente me dice: «contigo es siempre lo mismo…» Yo suelo contestarle: «No, esta vez es diferente, nunca antes me enfrenté a algo similar, nunca me sentí así» {Ríe}».
Si quieres leer la entrevista completa entra aquí.
 
Quizás a muchos les parezca extraño que una actriz como Meryl pueda sentir ese tipo de inseguridad frente a un nuevo personaje. Pero esto es lo que nos hace ver y entender que a todos nos sucede igual. Es algo que no tiene que ver con talento ni con años de experiencia, ni nada por el estilo.
 
Yo diría más bien que tiene que ver con compromiso, mística y respeto a la profesión. Esa «inseguridad» no sólo es normal, sino que es hasta sana.
 
Es innegable que la llegada de un nuevo personaje, además de ser un acontecimiento que genera una gran alegría e ilusión, es también una situación que genera estrés, incertidumbre e inseguridad. La buena noticia, es que si hacemos bien el proceso, ese estrés, esa «inseguridad», esa incertidumbre, la convertiremos en disfrute y gozo artístico.

 

¿Cómo se construye un personaje?

 ¿Cuál es el Proceso?

 

El Proceso de creación de un personaje en la Actuación Orgánica tiene que ver con una serie de pasos que nos ayuda a que la intuición salga a flote, que la empatía con nuestro personaje sea totalmente sólida y que el personaje salga desde donde debe salir siempre: «de adentro hacia a fuera».

Entonces, luego de las primeras lecturas, y lo que ellas conllevan (lo veremos en un tema aparte), procedemos a realizar el Desglose de Escena para analizar la misma -sin llegar jamás a la intelectualizarla- y tener una idea más clara de la situación, el conflicto, el personaje, los aspectos circunstanciales, etc. 

Llegado a este punto, realizamos la biografía del personaje, para conocerlo mejor y con el objetivo también de entonces estar más claro para ir al siguiente paso: El Sí Mágico

 

 

El Sí Mágico:

Ponerse en los zapatos del personaje

Para hablar del Sí Mágico en la Actuación Orgánica, primero comencemos por hablar de los personajes. Como todos sabemos, los PERSONAJES son creados por el dramaturgo o guionista para desarrollar del TEMA de su obra.

Técnicamente hay PERSONAJES PRINCIPALES y SECUNDARIOS.

La misión de los PRINCIPALES es el desarrollo de la TRAMA, es decir, a través de ellos ocurren las ACCIONES principales.

La misión de los PERSONAJES SECUNDARIOS es servir como apoyo. Son herramientas importantes para determinar el éxito o el fracaso en la consecución de los OBJETIVOS de los PERSONAJES PRINCIPALES, o para desarrollar características importantes de los PERSONAJES PRINCIPALES. Por lo general estos PERSONAJES SECUNDARIOS carecen de información detallada acerca de su pasado, intereses, ambiciones, etc. Pero como sabemos que NO HAY papel pequeño, nosotros como actores del Método construiremos siempre cualquier personaje sea principal o no, y debemos trabajar la biografía de este personaje, si no está explícita, púes la crearemos nosotros (Biografía del personaje).

Ahora bien, ¿Qué es lo primero que debemos hacer cuando nos llega un personaje? –que como vamos notando en el transcurso de nuestra carrera, son los PERSONAJES los que nos encuentran (suena como algo místico, pero es muy real)

 

El SÍ MÁGICO, como todos sabemos fue establecido por el padre de la Actuación Orgánica, Constantin Stanislavski, y no es otra cosa que «Ponerse en el lugar del personaje» o «ponerse en los zapatos del personaje», según las circunstancias dadas o, como yo prefiero llamarlo: los aspectos circunstanciales, y sobre todo, cuando hacemos la primera definición (primera, porque es muy probable que cambie según vayamos profundizando nuestro estudio del personaje) del SUPER OBJETIVO del personaje.

Pero OJO… ATENCIÓN:

Acá se suele caer en el error de malentender eso de «ponerse en el lugar del personaje» y por ello se cae en la CRÍTICA HACIA EL PERSONAJE, se comienza a JUZGARLO…

De actores o estudiantes de actuación he escuchado cosas como:

«Mi personaje es de una mujer mala y chismosa, yo no soy así»

«Este personaje es un malhechor. No puedo imaginarme siendo así, por eso no puedo hacer SÍ MÁGICO.

 «Ey, este personaje es un violador… ¿cómo puedo hacer un SÍ MÁGICO de eso? Es imposible…

  Y así muchas otras disparatadas frases…

Si criticamos a nuestro personaje, simplemente NO lo debemos hacer.

Imagínate que conoces a alguien en una cita a ciegas, y desde el primer minuto empiezas a juzgarlo y criticarlo buscándole defectos… ya no hay una relación posible, por lo menos no una relación profunda… Eso mismo ocurre con nuestro personaje, no podremos tener una relación profunda si lo juzgamos por su vida y acciones #paralelismos

Para poner un ejemplo anecdótico:

Una vez comenzábamos un trabajo de escena en clase, de una obra sobre un triángulo amoroso (una comedia de situaciones) donde el personaje de «la esposa» está culminando de colocar la mesa para una cena familiar. En eso oye sin querer una conversación telefónica de su marido y descubre que éste le es infiel con su secretaria. Ella queda en shock e inmediatamente tocan el timbre y llegan los invitados. Ella rápidamente decide callar y disimular su estado emocional hasta que termine la cena y se vayan los invitados.

Cuando realizamos la primera improvisación sobre la escena, la alumna que le tocó realizar el papel de «la esposa», apenas se sentó a «cenar», empezó a tratar mal al «esposo» y en menos de 3 minutos lo atacó, dando alaridos e insultándolo.

Obviamente la escena se detuvo allí, y cuando le pregunté por qué lo había hecho, si justamente su OBJETIVO de ESCENA era disimular su estado emocional hasta el final… esta alumna en cuestión me respondió:

-«Mi SÍ MÁGICO fue ese: ¿Qué haría YO si descubro la infidelidad de mi esposo? y si yo descubro la infidelidad de mi esposo, no me lo callo y lo enfrento»

Le refuté:

-No!… La CIRCUNSTANCIA del personaje NO es tan simple como que acaba de descubrir la infidelidad del esposo. La CIRCUNSTANCIA es que DEBE DISIMULAR su estado emocional ante lo que acaba de descubrir. Me explico, tu SÍ MÁGICO debe responder a:

   «¿Qué haría yo si ACABO de descubrir que mi esposo me es infiel e inmediatamente DEBO disimular ante mi familia todo lo que este descubrimiento me hace sentir?»

O para ponerlo más fácil:

   «¿Qué haría yo si acabo de descubrir que mi esposo me es infiel pero debo quedarme callada mientras estoy en una cena familiar?»

Su respuesta fue: «Pues es bien idiota este personaje, porque yo ante nadie me trago una emoción así. Yo me pondría histérica…»

Entonces le dije: «Tenemos dos opciones: O realizas un verdadero SÍ MÁGICO, atreviéndote a ir más allá de lo simple y explorar la verdadera circunstancia de la escena, o dejar que tu prejuicio te aleje del personaje»

Hay que entender realmente el SÍ MÁGICO para que nos sea una herramienta útil, ya que hay piezas de teatro, guiones, que están tan bien escritos, con personajes tan reales, que es el único recurso que utilizaremos, es decir, no nos hará falta ninguna otra herramienta actoral, porque el SÍ MÁGICO nos dará el motor vital para el personaje.

Y aprovecho para resaltar que el SÍ MÁGICO siempre, SIEMPRE, siempre debe ser lo primero que vamos a buscar, experimentar. Siempre SIEMPRE siempre debe ser nuestro primer recurso. Con el SÍ MÁGICO comenzamos incluso las caracterizaciones de personajes totalmente opuestos a nosotros o no. Y esto lo resalto porque a veces (y es por ello que El Método está tan mal entendido), los actores de una vez y en primer lugar van y buscan emociones utilizando la herramienta de la MEMORIA EMOCIONAL, comenzando así un torbellino y un laberinto emocional que en vez de sumar a nuestro trabajo, hace restar todo proceso orgánico que vaya a nacer en nuestro proceso interpretativo.

EN LA PRÓXIMA ENTRADA HABLARÉ SOBRE LA MEMORIA EMOCIONAL y SUS MITOS

Entonces: el SÍ MÁGICO es lo PRIMERO que vamos a probar, a usar, a jugar, a sentir, antes de cualquier otro recurso orgánico. Para que sea efectivo, debemos estar lo más claros posibles de la circunstancia que vive nuestro personaje en escena.

Jamás debemos juzgar dicha circunstancia, o sea, jamás debemos ser radicales y anteponer nuestra esencia personal… en otras palabras, como actores no debemos tener la mente cuadrada, debemos permitirnos JUGAR la realidad de la circunstancia del personaje…

Si usamos un SÍ MÁGICO bien estructurado, tenemos garantizado el proceso orgánico con nuestro personaje.

Les dejo una joya que está colgada en YouTube del Maestro: 

ALGUNOS ACTORES Y ACTRICES CON QUIENES HE TRABAJADO

SILVIA SANABRIA

"Cuando iba a comenzar a grabar mi serie "Servir y Proteger", comencé a busca cosas de "El Método" y en esa busqueda de coach de actores, me encontré por casualidad a Clay..."

CARMELA LLORET:

"Clay hace un trabajo profundo del personaje y de la escena, te ayuda de manera práctica y concreta, definiendo los verbos de acción a cada momento, y te estimula a que ..."

ARLETTE TORRES

"Contar con la asesoría y entrenamiento de Clairet ha sido todo un plus para mi trabajo. Es una gran profesional; asertiva e intuitiva en sus indicaciones y sugerencias..."

CONEXIÓN CON «EL OTRO»

EL CONTACTO CON «EL OTRO»

Lo más importante en la escena en la «Actuación Orgánica»

Cuando pregunto ¿qué es lo más importante en la escena? a un estudiante de actuación o a un actor en ciernes (y a veces incluso a actores con trayectoria) normalmente comienzan a analizar y reflexionar y terminan respondiendo cosas como: «El texto», «el espacio», «el personaje», «el público», «el vestuario», » familiarizarte con la escenografía y la utilería»… Y sí, es verdad, todo esto es importante (incluso recuerdo una anécdota graciosa de un actor que respondió una vez: «el seguidor» -«la luz del seguidor») pero nada esto es LO MÁS IMPORTANTE, porque si no tomamos en cuenta LO MÁS IMPORTANTE, nada de esto cobra vida, nada de esto tendrá el Sentido de la Verdad necesaria para que la escena (sea de Teatro, TV o Cine) sea realmente vivída… Creíble.

Para todos los amantes de «El Método», para aquellos actores y actrices que deseen conocer más sobre lo que es la Actuación Orgánica, les subo acá un vídeo del Maestro Stanislavski, y de dos de sus discípulos: Lee Strasberg y Stella Adler (en cuyos legados se basa mi Taller «La Actuación Orgánica») donde hablan personalmente de puntos importantes sobre el Acting y el trabajo del actor…

 

Transcribo las palabras del Maestro:

Stanislavski:

«… ¿Qué han hecho cuando empezaron a actuar? ¿Habéis intentado adaptaros el uno al otro? 

¿O no?, ¿Os habéis sentido? ¿O no?, ¿Estabais concentrados? ¿O no?… ¿Y en qué consiste la comunicación?

¿De qué hablaba el Maestro? 

Cuando interiorizamos que una obra de Teatro o una película se realiza para probar la validez de un TEMA que «necesitó» expresar un dramaturgo o un guionista, para lo cual creó PERSONAJES, y que los ACTORES somos simple y sencillamente el vehículo que le da vida a esos personajes para que sea mostrada la historia que validará (o no) dicho TEMA, nos damos cuenta profundamente que, aunque son muy ricos los aplausos y las buenas críticas fortalecen el autoestima del Artista, los Actores somos «obreros» que debemos trabajar en equipo para cumplir con la labor… Y no hablo del trabajo en equipo del director con los actores, los técnicos, los productores, etc. Hablo del trabajo de equipo en escena, o sea, del trabajo entre los actores que comparten una escena.

En otras palabras: no estamos en escena para que se nos escuche bien, para vernos bonito o para conseguir admiradores, sino para trabajar PARA el otro… Y ese otro está allí, para trabajar para nosotros… Es un binomio, que aunque es lo más lógico del mundo, muchas veces cuesta hacerlo ver, y peor aún, cuesta hacerlo entender.

Entonces: LO MÁS IMPORTANTE EN ESCENA ES EL OTRO!!!!

Si estamos en escena pendientes únicamente del texto, de «no perdernos en el texto», de «mi próxima linea», y no estamos en un real y verdadero contacto con el otro, nada de lo que hagamos en esa escena será netamente vívido. Simplemente será actuado, y normalmente se realizará para «camelar» al público, lo que hace traicionar la máxima del trabajo sentido que estableció el padre de la Actuación Orgánica, Constantin Stanislavski«VIVIR LA PARTE»

La conexión es la clave, la conexión con el otro, que la logramos gracias a la conexión con nosotros mismos, es decir, la conexión con nosotros mismos permite que fluya la conexión con EL OTRO, y por ende todo fluye en la escena como debe ser.

No hay mayor ciencia: estamos allí en escena para trabajar para nuestro compañero de escena… Y viceversa

Para ellos, debemos ANCLARNOS en EL OTRO… Lo que está sucediendo de la Cuarta Pared hacia adentro es lo único que nos debe importar… Y con quién estamos de la Cuarta Pared hacia adentro?… pues, con EL OTRO!!!, por lo que repito: Qué es lo más importante en escena?…. EL OTRO!!!

Y qué sucede si estoy en plena escena y me desconecto, y me quedo en blanco (al actor más experimentado y talentoso le puede pasar, pues SOMOS SERES HUMANOS)… Si eso sucede, pues me anclo más profundamente en mi compañero y él (o ella) me salvará, porque él o ella, está allí trabajando para mí y lo más importante para él (o ella) soy yo (En escena por supuesto, Jejeje)

Y cómo me anclo? Sencillo: ESCUCHANDO al otro (CONTACTO)

Es algo así como las «Normas del buen hablante y del buen oyente»… Si tengo una conversación con una persona, y estoy ensimismada hablando y hablando, sin percatarme si esa persona me escucha, sin tomar en cuenta cómo le afecta lo que le digo, y sin permitir que se exprese… Pues ese » diálogo» pierde toda la importancia del mundo porque allí no sucede NADA… Y si un tercero (el público) está observando este momento, pues va a perder interés total y se marchará (física o mentalmente)

Ahora bien… Y si estoy sola en escena? Si es un monólogo? No tengo un OTRO? Cómo hago???

Un monólogo SIEMPRE, SIEMPRE debe tener un OTRO… En algunos monólogos ese OTRO será un personaje fuera de escena, un elemento (una foto, un fantasma, una escoba, un animal disecado, etc.), en otros monólogos, sin Cuarta Pared, ese OTRO es el público… Y nos anclamos en él…!

¿Por qué?

Porque la fórmula es:

EMISOR (yo) – MENSAJE (Texto) – RECEPTOR (el otro)

Entonces:

 

 

 

¿QUÉ ES LO MÁS IMPORTANTE EN ESCENA?… EL OTRO!!!

By Clairet Hernández

SILVIA SANABRIA

"Cuando iba a comenzar a grabar mi serie "Servir y Proteger", comencé a busca cosas de "El Método" y en esa busqueda de coach de actores, me encontré por casualidad a Clay..."

CARMELA LLORET:

"Clay hace un trabajo profundo del personaje y de la escena, te ayuda de manera práctica y concreta, definiendo los verbos de acción a cada momento, y te estimula a que ..."

ARLETTE TORRES

"Contar con la asesoría y entrenamiento de Clairet ha sido todo un plus para mi trabajo. Es una gran profesional; asertiva e intuitiva en sus indicaciones y sugerencias..."

LA CARACTERIZACIÓN

LA CARACTERIZACIÓN ORGÁNICA

Hablemos de un tema que tiene mil aristas y millones de incomprensiones: la caracterización en la actuación orgánica.

La Caracterización es una palabra que a veces da miedo a los actores, convirtiéndose en un acelerador de adrenalina, en un catalizador de riesgos, en una emocionante aventura o en un paralizador total de la verdad escénica.

He tenido conversaciones con actores, donde me doy cuenta que para ellos CARACTERIZAR es lo mismo que CARICATURIZAR. Pues tienen el concepto de que caracterizar tiene que ver con llevar al personaje al cliché o estereotipo per sé, creando entonces una caricatura del personaje (sea ficción de drama o comedia).

La caracterización en la actuación orgánica es otra cosa:

Caracterizar: https://definicion.de/caracterizar/

Caricaturizar: https://definicion.de/caricatura/

Ciertamente, existen ciertas similitudes o características similares en determinados grupos de individuos -estereotipos- bien sea por profesión, oficio, estilos de vida, situación geográfica, etc.

Esto no significa que sean iguales, pues todos los seres humanos somos distintos, obviamente, si deseamos una actuación orgánica todos los personajes deben ser distintos.

Un ejemplo muy fácil para ilustrar esto, es el típico personaje de «ladrón»:

Muchas veces podemos ver que hay actores que se van al estereotipo del hombre malo «maloso» – malo «malote», sin corazón, que pronuncia mal las palabras o que tiene un determinado tono de voz o que tiene ciertos gestos.

El resultado es, un personaje repetido hasta el cansancio y que seguramente no transcenderá en el espectador.

El actor debe trabajar el personaje desde el principio, desde el «Sí Mágico», o sea, desde adentro, y no desde afuera. Seguramente el resultado será muy distinto. 

Primer paso para la Caracterización en La Actuación Orgánica:

El Sí Mágico

SIEMPRE debemos comenzar por el «Sí Mágico«. Esto nos llevará a una caracterización orgánica. De lo contrario, simplemente realizaríamos una imitación del mundo de afuera, y esto es una limitante que nos bloquea un proceso fantástico de creación.

Los actores orgánicos trabajamos de «adentro hacia afuera» y no al revés.

Les copio acá el link sobre el «Sí Mágico»: SÍ MÁGICO

Luego del «Sí Mágico» contamos con un mundo de herramientas que nos da el trabajo orgánico para crear un personaje desde nuestras entrañas. Acá sólo voy a señalar dos ejercicios actorales, que sin importar nuestra experiencia como actores, siempre debemos hacer:

1- Monólogo de Profesión u Oficio, consiste en esa entrevista cercana y humana (o investigación) que nos lleva a la MOTIVACIÓN, al Punto Neurálgico del personaje. 

2- Confrontación, de la cual ya escribí por acá.

3- La Foto Hablada, un ejercicio apasionante, que debemos utilizar si vamos a caracterizar a alguna persona real viva o que haya fallecido, y quién nos es imposible conocer personalmente. 

4- Animales, el cual no es el típico ejercicio donde te piden que te imagines que eres un gato por ejemplo y empiezas a improvisar.

!No!, este ejercicio trata de un estudio detallado y minucioso sobre un animal y a través de varias etapas, llegar a su humanización.

De adentro hacia afuera

La caracterización en la actuación orgánica es de adentro hacia afuera, y no al contrario. Con estos ejercicios, y muchas otras herramientas se obtiene un fascinante trabajo orgánico de caracterización. En todos el proceso va de adentro hacia afuera, siendo lo de afuera (look, vestimenta, acento, etc) lo último, la guinda de la torta…

Hay actores que realizan una profunda caracterización para cada personaje, otros sólo para personajes «importantes», y otros jamás caracterizan, por lo que siempre están iguales.

Debemos siempre recordar algo muy importante: La Caracterización NO consiste en ANULARTE para ser otro… Eso no existe,es ireal pensarlo, es un mito romanticón… 

La Caracterización es un trabajo de adentro hacia afuera. Es un juego, serio, pero juego en sí, donde llegamos a ser una persona completamente diferente a nosotros, pero sin perder nuestra esencia.

Es decir, un mismo personaje puede ser caracterizado por dos actores diferentes, y jamás veremos el mismo resultado. Y si lo vemos, pues uno de los dos actores está solo haciendo una balurda imitación del otro.

Si deseas mayor información sobre La Actuación Orgánica, o estás en la preparación de un personaje, no dudes en contactarme.

SILVIA SANABRIA

"Cuando iba a comenzar a grabar mi serie "Servir y Proteger", comencé a busca cosas de "El Método" y en esa busqueda de coach de actores, me encontré por casualidad a Clay..."

CARMELA LLORET:

"Clay hace un trabajo profundo del personaje y de la escena, te ayuda de manera práctica y concreta, definiendo los verbos de acción a cada momento, y te estimula a que ..."

ARLETTE TORRES

"Contar con la asesoría y entrenamiento de Clairet ha sido todo un plus para mi trabajo. Es una gran profesional; asertiva e intuitiva en sus indicaciones y sugerencias..."

¿QUÉ ES EL COACHING ACTORAL?

Una guía para los actores

¿Es necesario el coaching actoral? Actualmente me encuentro realizando coaching actoral en Madrid para actores locales (coaching presencial) y actores en diversas partes del mundo (Chile, Argentina, México, Venezuela y Estados Unidos), y esta labor me ha permitido comprobar una vez más que uno de los momentos de mayor vulnerabilidad que padecemos los actores es cuando llega a nuestras manos un nuevo personaje, bien sea a través de la separata para un casting, de una nueva obra de Teatro o cuando comenzamos a sacar adelante un guión de cine o un libreto (personaje para ficción)

Es justo ese momento donde más se necesitamos de una guía, de un tercer ojo que nos coja de la mano y nos ayude a llegar a un lugar seguro. Y vale decir que no son únicamente los actores noveles o con poca experiencia quiénes necesitan un coaching actoral… ¡No!… Son TODOS, somos TODOS los actores los que necesitamos esa gran guía… Pues si investigas verás que Al Pacino o Nicole Kidman (por nombrar sólo dos actores mundialmente conocidos) no trabajan nunca solos, sino que siempre van de la mano de sus respectivos Coachs actorales.

 

Y ¿cuál es ese lugar seguro? 

Es el lugar llamado «Confianza«, donde nos vamos a sentir seguros y por ende nuestra capacidad creativa se exponencia a la máxima potencia.

 

¿Qué nos ha sentirnos seguros?

Tener un conocimiento detallado de lo que realmente sucede en la escena, de qué le sucede a nuestro personaje, es decir para qué y por qué está allí nuestro personaje.

 

¿Cómo llegamos allí?

Llegamos allí a través de un profundo y detallado desglose de escena

Desglosar es desmenuzar, deshacer, deshilachar, desentrañar, desembrollar un texto para DESCUBRIR el corazón del mismo.

Y justamente, allí empieza mi labor como Coach Actoral para trabajar tus escenas, interpretar el texto, analizarlo sin intelectualizarlo, entender al personaje: su Súper Objetivo, objetivos, acciones (verbos), motivaciones, o mejor explicado así: Yo te ayudo a establecer cuáles son las Acciones que realiza tu personaje para alcanzar los objetivos que se plantea motivado por lograr su SUPEROBJETIVO, es decir entender su razón de existir.

 

Coaching Actoral en Madrid y en cualquier lugar del mundo

¿Cómo trabajaremos la sesión de coach actoral?

-Comenzamos con la «Cold reading»

-Desentrañaremos el Sí mágico, la relación con el otro, los aspectos circunstánciales del personaje, el espacio, las acciones, las actividades, etc.

-Analizaremos la estructural lineal (parte objetiva de este análisis), en otras palabras, estableceremos los Momentos de la o las escenas.

-Analizaremos la estructura emocional (Tema, Personajes, Superobjetivos, Motivaciones, Objetivos, Acciones, Modificadores, Actividades)

-En medio de todo esto vas a ir aprendiendo el texto de la manera más orgánica, que es a través de la ilación de acciones.

 

¿Qué NO deberíamos JAMÁS hacer los actores?

JAMÁS deberíamos aprendernos el texto al caletre, porque eso hace que nos mecanicemos, que no encontremos nunca la vena vital de la escena. Es como cuando cantamos un himno nacional, o la canción de cumpleaños o una canción infantil… que nos la sabemos, pero la cantamos tan automáticamente que no la VIVIMOS…

Algunos actores optan por estudiar ese texto y buscar respuestas sin un orden u objetivos específicos -algo que no está mal- pero que corren el riesgo de la autodirección, lo cual puede ocasionar que en el momento de hacer el casting o ensayo, o filmación, mecanicen su propuesta, pues su preparación previa ha consistido en intelectualizar la escena y no en desglosarla.

 

¿Qué SI debemos SIEMPRE hacer los actores?

Los actores debemos SIEMPRE recordar la máxima número uno: DISFRUTAR el momento, sea cual sea la circunstancia del personaje, sea cual sea el compromiso de trabajo, pues cuando los actores dejamos de disfrutar la actuación, deberíamos buscar otra profesión…

Así que si deseas una sesión de coaching actoral de «LA ACTUACIÓN ORGÁNICA», de manera presencial o vía on línea, puedes escribirme por este medio o llamarme. Será un gran gusto atenderte.

Te dejo testimonios de algunos actores que han trabajado conmigo y que muy gustosamente han compartido sus experiencias con mi coaching actoral en Madrid y en otros países:

SILVIA SANABRIA

"Cuando iba a comenzar a grabar mi serie "Servir y Proteger", comencé a busca cosas de "El Método" y en esa busqueda de coach de actores, me encontré por casualidad a Clay..."

CARMELA LLORET:

"Clay hace un trabajo profundo del personaje y de la escena, te ayuda de manera práctica y concreta, definiendo los verbos de acción a cada momento, y te estimula a que ..."

ARLETTE TORRES

"Contar con la asesoría y entrenamiento de Clairet ha sido todo un plus para mi trabajo. Es una gran profesional; asertiva e intuitiva en sus indicaciones y sugerencias..."

LA ACTUACIÓN ORGÁNICA

¿Qué es la actuación orgánica?

¿De donde viene?

https://www.youtube.com/watch?v=1623SMXkJCw

Mi proceso de Formación Actoral

BASADO EN “EL MÉTODO” DE LEE STRASBERG Y LA TÉCNICA DE STELLA ADLER

La formación del actor consta de tres etapas:

-El trabajo sobre sí mismo

Sobre la Acción y la Relación con los otros

-Sobre escenas de obras que le permitan al actor ejercitar las aptitudes adquiridas en las anteriores etapas, dentro de contextos dramáticos prefijados” (Lee Strasberg)

¿Qué es la Actuación Orgánica?

Una de las principales características de la técnica de Constantin Stanislavski, que es de donde deriva LA ACTUACIÓN ORGÁNICA, es que el aporte de herramientas para que el actor entre en conexión con su interior para el fortalecimiento del conocimiento de sus capacidades, carencias y bloqueos.

Cuando se es niño, se tiene un gran sentido de expresar emociones y sentimientos, así como también una gran sensibilidad, originado esto por el innato deseo de experimentación del mundo.

Sin embargo, esto se va perdiendo a medida que vamos creciendo, debido a que la sociedad va dictando una serie de pautas, normas y patrones que por lo general no son bien conducidas y que van generando bloqueos de emociones.

LA ACTUACIÓN ORGÁNICA nos permite una actuación real, vívida, que trae como consecuencia una verdad escénica.

El primer paso para entender y/o conocer el ABC de esta técnica,  es la puesta en práctica de una serie de ejercicios individuales y prácticos que otorgan las herramientas necesarias para que el actor perfeccione y sepa utilizar sus propios recursos

!Y como consecuencia se activa la sensibilización actoral!

Antecedentes de La Actuación Orgánica

CONSTANTIN STANISLAVSKI

El padre del teatro moderno. Paralelamente a su trabajo como director y actor, Stanislavski llevó a cabo una importantísima labor como pedagogo, creando el llamado «método de las acciones físicas», conocido también como.

La preocupación fundamental de Stanislavski fue la de luchar contra un estilo de actuación grandilocuente, basado en el cliché, el estereotipo repetitivo y vacío de emociones que imperaba en su época.

Reaccionó contra el divismo y se opuso a la actuación narcisista dirigida hacia el espectador sólo en busca de aplausos.

Rescató al actor como artista.

Propuso un modelo de actor honesto consigo mismo y con su arte, un actor que trabaje sobre la verdad, ya que para el maestro ruso no existía arte sin verdad (LA GRAN VERDAD EN ESCENA).

Elevó al actor a la categoría de creador.

A la noción idealista de la creación vinculada a conceptos escasamente objetivos como talento, intuición, genio, inspiración; opuso un elevado profesionalismo en el actor, basado en un método que le permitía encontrar estados emocionales auténticos y dejar de depender de la aparición azarosa de los mismos.

Hasta ese momento, los manuales de actuación se limitaban a describir los rasgos externos aconsejables para la manifestación de los diversos estados de ánimo, personajes y caracteres.

Se le ofrecía al actor una lista completa de recursos (normalmente gestos estereotipados) para representar la alegría, el dolor, la pena, la bondad, etc., lo que conducía al cliché y a una actuación mecánica.

A este tipo de actuación Stanislavski opone una actuación orgánica, basada en la verdad escénica. Lo que atrae su atención no es la manifestación exterior de los sentimientos, sino su origen, la lógica de su nacimiento y desarrollo.

El contenido fundamental de su método consiste en la creación de una imagen escénica viva, sobre la base del espíritu creador del intérprete. El actor no debe aparentar en el escenario, sino existir de verdad; no debe representar, sino vivir.

Es decir sentir, pensar y comportarse sinceramente en las circunstancias de la ficción.

LEE STRASBERG

Director teatral estadounidense de origen polaco. Continuador de las técnicas de interpretación desarrolladas en el Teatro de Arte de Moscú por Constantin Stanislavski, desarrolló en los Estados Unidos su propio Método.

En 1947 se une a la creación de una de las más famosas escuelas de actuación: el Actor’s Studio, que fue el foco para una generación de actores jóvenes comprometidos con un nuevo estilo experimental de interpretar su arte.

Definió a la actuación como “la capacidad para reaccionar ante estímulos imaginarios», y manifiesta que sus presupuestos esenciales son una sensibilidad fuera de lo común y una inteligencia extraordinaria para comprender los procesos del alma humana”.

STELLA ADLER

Actriz estadounidense, consagrada en Broadway y considerada como una de las más destacadas profesoras de interpretación y quién dejó un gran legado. 

Proveniente de un familia actoral, fue parte significativa de un movimiento teatral que prosperó en Nueva York desde finales del siglo diecinueve hasta bien entrada la década de 1950, luego, años más tarde Stella Adler se dedicó a la enseñanza de la interpretación.

Fue la única actriz estadounidense que recibió clases directamente de Constantín Stanislavski, cuando ella y el Group Theatre, se interesan por aprender de este Maestro cuando los deslumbró con su puesta en escena de La Gaviota cuando estuvo de gira por Estados Unidos.

Como es bien conocida la historia, sus diferencias de opinión con Lee Strasberg sobre la correcta enseñanza del sistema Stanislavski, contribuyeron a la disolución del grupo y cada quién tomó su camino como Maestros de actuación.

https://www.youtube.com/watch?v=croRB2494qg

¿En que no estaban de acuerdo?

Mientras Strasberg apostaba en un principio por la memoria emocional para lograr grandes momentos orgánicos en los actores, Adler apostaba en el uso de la imaginación en conjunto con “el otro” y el espacio.

Importante: LOS ACTORES NO NECESITAN -NI DEBEN- MASTURBARSE EMOCIONALMENTE EN ESCENA, ESO NO ES LO QUE EL PÚBLICO DESEA VER… 

Lo que el público desea ver es una historia (en cine, teatro o tv) que les diga algo o que los entretenga, que sea tan real como la vida misma.

Ahora bien, ¿qué sucede si combinamos un poco el legado de estos Maestros?

Primero, deseo dejar claro que uso de la memoria emocional o memoria emotiva no puede ser un hecho perturbador para el actor.

El mismo Strasberg mediante su largo proceso de enseñanza y estudio del hecho actoral estableció una serie de herramientas para lograr conexiones o estados emocionales auténticos sin afectar la psiquis del actor, pues cuando esto ocurre el resultado es “sencillamente” un mayor bloqueo del actor.

Por eso la Memoria Emotiva es el último recurso que debe ser utilizado, y se utiliza SIEMPRE Y CUANDO no sobrepase los limites de sanidad emocional y SIEMPRE Y CUANDO el actor así lo decida, es decir, antes de utilizar esta herramienta hay muchas más sobre las cuales trabajar, como por ejemplo, la Memoria de los Sentidos (Leer aquí…) 

Y si esto lo combinamos con el desarrollo de uno de los “músculos” más importante en un actor creador, que es la IMAGINACIÓN, suceden momentos asombrosos, artísticamente sublimes de gran contenido emocional y verdad escénica…

Pero es importante recalcar que todas estas herramientas las utilizamos en consecuencia y luego de trabajar el primer recurso y más importante: el Sí Mágico

Y esa combinación es la que justamente trabajo en LA ACTUACIÓN ORGÁNICA, en la formación del actor, en el trabajo del actor en su escena, en la creación del personaje y en mis sesiones de coaching actoral, luego de años de enseñanza y feedback de alumnos y actores con quienes he trabajado.

Mi proceso de enseñanza

Mi taller sobre la Actuación Orgánica «La Verdad en Escena» ha sido diseñado para dar a conocer las herramientas con las que cuenta el actor para el desarrollo de un trabajo orgánico en escena, enfocándome primordialmente en tres ítems básicos:

– Ejercicios Sensoriales, que buscan el despertar de los Sentidos y su Memoria

-Ejercicios Individuales, que buscan la consecución del proceso orgánico del participante. El conocimiento del Actor sobre sí mismo.

– Ejercicios Grupales, que buscan el trabajo del actor y su relación con «El Otro»

– Trabajo sobre Escenas (Escogidas en el transcurso del Taller, o bien escenas que previamente esté trabajando el Actor Participante)

 

“El actor debe ser un observador atento no sólo en la escena, sino también en la vida real. Debe concentrarse con todo su ser en lo que lo atrae; debe mirar un objeto, no como un transeúnte distraído, sino con penetración, porque de lo contrario su método creador no guardará relación con la verdad de la vida ni con su época”.

Constantin Stanislavski

“El verdadero actor no actúa, sino que siente, crea y proyecta”

By Clairet Hernández

SILVIA SANABRIA

"Cuando iba a comenzar a grabar mi serie "Servir y Proteger", comencé a busca cosas de "El Método" y en esa busqueda de coach de actores, me encontré por casualidad a Clay..."

CARMELA LLORET:

"Clay hace un trabajo profundo del personaje y de la escena, te ayuda de manera práctica y concreta, definiendo los verbos de acción a cada momento, y te estimula a que ..."

ARLETTE TORRES

"Contar con la asesoría y entrenamiento de Clairet ha sido todo un plus para mi trabajo. Es una gran profesional; asertiva e intuitiva en sus indicaciones y sugerencias..."

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