CREACIÓN ORGÁNICA DEL PERSONAJE

Construyéndolo desde adentro

Taller Intensivo:

Este taller está diseñado para que aprendas a construir personajes desde la organicidad, es decir, de adentro hacia afuera, tal como nos lo enseñaron los grandes maestros de la actuación Orgánica (El Método).

Iremos desde el establecimiento del Sí Mágico, hasta procesos de caracterización para la creación de personajes totalmente opuestos a ti ( los más interesantes)

¿QUÉ VERÁS EN ESTE TALLER?

  • La Actuación Orgánica. El Método
  • La Centralización
  • Asumiendo El Personaje. La Empatía
  • Creación de la Biografía del personaje  Estableciendo el Sí Mágico
  • Objetivos y acciones del Personaje
  • El Motor Principal del Personaje
  • Conexión Emocional
  • Conflicto Interno y Externo
  • Confrontación
  • Foto hablada
  • Caracterización con Animales

Duración: 1 mes y medio (6 jornadas de 2 horas c/u)

Total horas: 12

  • Taller Individual:

    Precio: 210€ / Promoción: 126€ (-40%)

  • Taller Grupal (Máximo 5 personas)

    Precio: 120€ / Promoción: 90€ (-40%)

ALGUNOS ACTORES Y ACTRICES CON QUIENES HE TRABAJADO

SILVIA SANABRIA

"Cuando iba a comenzar a grabar mi serie "Servir y Proteger", comencé a busca cosas de "El Método" y en esa busqueda de coach de actores, me encontré por casualidad a Clay..."

CARMELA LLORET:

"Clay hace un trabajo profundo del personaje y de la escena, te ayuda de manera práctica y concreta, definiendo los verbos de acción a cada momento, y te estimula a que ..."

ARLETTE TORRES

"Contar con la asesoría y entrenamiento de Clairet ha sido todo un plus para mi trabajo. Es una gran profesional; asertiva e intuitiva en sus indicaciones y sugerencias..."

TALLER ONLINE en VÍDEO

«EL MÉTODO»: LA VERDAD EN ESCENA

¿Qué es la Actuación Orgánica?

Es vivir, sentir y transmitir. Siempre lo resumo en esos tres verbos, porque es tener esa capacidad como actores de jugar -muy seriamente- las circunstancias del personaje y permitirnos vivirla sin actuar (sin fingir).

El trabajo de Stanislavski y su legado, que es tan especial para nosotros, que yo siempre digo que hay un antes y un después. Antes de Stanislavski, teníamos a estos actores acartonados quienes se preocupaban más en cómo se veían, cómo se escuchaban en escena, y el público seguramente no podía ver más allá de un actor que estaba recitando un texto.

En cambio, hay un después de Stanislavski, gracias a que su trabajo fue para darle al actor esa gran posición de creador.  Matar la figura del dictador/director o director/dictador, ya que hasta ese entonces el director era quién le decía al actor cómo, cuándo y qué tenía que hacer en la escena, es decir, desde mover una mano hacia la derecha o moverla hacia la izquierda y decir el texto en cierto modo. Lamentablemente, todavía hay directores así.

A raíz de este gran legado, los actores somos los creadores de nuestro personaje y eso es lo que nos hace entrar en empatia con él. Eso es lo que nos hace hacer una realidad de la ficción.

Stanislavski, que estudia el factor humano, es quien establece con ejercicios psicotécnicos cómo llegar y cómo hacer fluir emociones reales y sinceras, para dejar de un lado aquella cosa de fingir.

¿Cómo lo hace? A través de mucho estudio deja su legado, y establece sobre todo el término, a veces poco conocido, y que aún hoy en día tiene que estar muy activo en nuestras vidas: El Sí Mágico.

 

¿Qué es el Sí Mágico?

 El Sí Mágico es ponerse en las circunstancias del personaje. Ponerse en sus zapatos, haciéndose una pregunta particular y que nos va a dar respuesta de todo lo que está sucediendo en la escena.

 

¿Qué haría yo en esta situación?

 O sea, ponerme en los zapatos del personaje, pero no es una pregunta que simplemente voy a responder dentro de mi cabeza. Es una pregunta que debo responder probando, es decir, tengo que aprovechar para improvisar y probar.

¿Por qué? Siempre pongo este ejemplo que me ha servido muchísimo para poder explicarlo mejor, en una oportunidad estaba dirigiendo una actriz, cuyo personaje era una mujer casada a quien su marido le había sido infiel y ella lo había perdonado.

Cuando estábamos haciendo improvisaciones para probar el Sí Mágico, ella me dice que simplemente ella no lo perdonaría: “¿Qué haría yo en esta situación? No lo perdono y punto”.

A lo que le respondí que estaba entendiendo mal la pregunta, y por lo tanto la respuesta no la buscaba como debería ser.

La pregunta no es ¿Qué harías tú si tu esposo te fue infiel?

La pregunta es ¿Qué harías tú si tu esposo fue infiel y tienes que perdonarlo?

Porque eso es lo que le ha sucedido al personaje.

Entonces para tú saber cómo se pudo sentir ella, qué pudo haber pensado, qué pudo haber pasado -además de por supuesto conocer o realizar la biografía del personaje, las circunstancias, etcétera, es para que, a través de esa improvisación que vamos a hacer del Sí Mágico, tú puedas vivir en tu propia piel el acto de tener que perdonarlo sabiendo de su infidelidad. Para que puedas sentir qué pasa contigo, y ese “qué pasa contigo”, te hace entender mayormente el personaje.

 

La Formación Orgánica

La primera fase, que incluso le llamaron así los Maestros, es el “trabajo del actor sobre sí mismo”. Es comenzar a descubrirte, a encontrar esos bloqueos que todos tenemos. Cuando somos niños, somos mucho más instintivos pero sobre todo, somos muchos más orgánicos en saltar, caminar, correr, gritar, en señalar, en tocar cosas, pero la sociedad y/o nuestros padres nos van diciendo que hay cosas que no se deben hacer, que no puedes correr en la calle de cierta manera, que la voz no la puedes alzar así porque socialmente no se ve bien, etc. Nos vamos llenando de bloqueos que luego tenemos que comenzar a desbloquear.

 

Diferencia entre un actor natural y un actor orgánico

 El actor natural es aquel que puede trabajar un personaje, se aprende su texto y muy naturalmente lo dice y se le cree, pues lo dice con naturalidad. En cambio un actor orgánico, es un actor que realiza todo un proceso, que está entrenado para que no solamente se aprenda el texto y lo interprete de una manera realmente vivida, emotiva, visceral y por supuesto orgánica.

 

El Proceso:

 Existe un proceso que al cumplirlo, se obtienen resultados fabulosos con nuestro personaje: Te llega un papel (un personaje), lees, haces el desglose de la escena o de las escenas, creas las biografía del personaje, la cual es súper importante, y hay que hacerla en primera persona.

A veces hay actores que al pedirles la biografía del personaje, comienzan a contarla en tercera persona: “este personaje nació en… y a los 7 años le sucedió esto”.

Cuando les pido que la vuelva a hacer, pero esta vez en primera persona, que asuman que todo eso les sucedió a ellos, hay un cambio fundamental y se dan en cuenta del cambio por lo que sienten. No es lo mismo cuando vemos un personaje desde la distancia.

El actor debe permitirse “jugar” a que es esa persona, en las circunstancias que tiene el personaje, con esa vida.

Como cuando éramos pequeños y estábamos en un grupo  jugando y nos decían “ tú eres la enfermera y tú eres el que está enfermo”.  Nos permitíamos jugar sin prejuicios. Obviamente, éramos niños y no teníamos las herramientas para saber cómo realmente es el trabajo de una enfermera, pero ese rol de enfermera lo vivíamos al 100% hasta que decidíamos no seguir jugando.

De hecho, hay un ejercicio de entrenamiento actoral llamado “Monólogo de profesión”, es uno de los primeros ejercicios de mi taller de formación, que tiene que ver con ello. Les pido a los actores investigar sobre una profesión, que si no la conocen muchísimo mejor para que aprendan mayormente el proceso de investigación, y entrevisten a una persona que tenga esa profesión.

Por ejemplo, ya que estamos hablando de una Enfermera, la investigación para ese ejercicio consiste en entrevistar a una enfermera para conocer su día a día. No voy a buscar imitarla ni caracterizarla, ni hablar como ella, ni hacer sus gestos, porque estaría simplemente imitando, y ese no es el trabajo del actor orgánico, porque terminaría haciendo un cliché. Yo simplemente voy a asumir como propio todo lo que me diga la enfermera en la entrevista que le realicé sobre su oficio y su vida. Yo voy a asumir que su realidad es la mía.

Siempre tenemos personajes que tienen alguna profesión u oficio y si no está en la obra, pues yo como actriz voy a crearla, con el cuidado de que no sea contradictoria con la realidad del personaje, pero voy a crearla porque eso me hace ubicarme más dentro de su vida, y cuando yo sé un poco más de su vida y la asumo como si fuese mía, entonces todo lo que ese personaje vaya a padecer, a sufrir, a reír, a llorar, lo voy a hacer orgánicamente.

 

El Actor y el Personaje

 Muchas personas pueden pensar -quienes los conocen este oficio seguramente piensan también- que el actor simplemente aprende un texto, se viste de cierta manera (vestuario), se maquilla de cierta forma, se peina indiferente y ya con eso crea un personaje. Todos sabemos que es muchísimo más allá.

Para poder tener una empatía con nuestro personaje, tenemos que hacer una investigación, así sea que nuestro personaje sale un minuto en la obra o en la película, o si es el protagonista.

Stanislavski es quién establece aquello de que no hay personajes pequeños. Si nos toca entregar un sobre en una escena, nosotros tenemos entonces que investigar. Es decir, si te toca el día de mañana un papel de cartero, y aunque sean obvias sus actividades del oficio, debemos hacer una investigación para tener más detalles: ¿Cómo entrega una carta? ¿Cuál es el procedimiento? ¿Cómo es su trabajo diario? ¿A qué hora se levanta? ¿Cuántas horas al día le toca caminar? ¿Cómo es la interacción con la persona a quién entrega la encomienda?

Todo ello es lo que nos va a dar una propiedad y conocimiento, que cuando entreguemos el sobre, nadie va a no creer que seamos Carteros.

SILVIA SANABRIA

"Cuando iba a comenzar a grabar mi serie "Servir y Proteger", comencé a busca cosas de "El Método" y en esa busqueda de coach de actores, me encontré por casualidad a Clay..."

CARMELA LLORET:

"Clay hace un trabajo profundo del personaje y de la escena, te ayuda de manera práctica y concreta, definiendo los verbos de acción a cada momento, y te estimula a que ..."

ARLETTE TORRES

"Contar con la asesoría y entrenamiento de Clairet ha sido todo un plus para mi trabajo. Es una gran profesional; asertiva e intuitiva en sus indicaciones y sugerencias..."

Clairet Hernández

Actriz, Directora de Actores y Coach Actoral

ORGÁNICO VERSUS NATURAL

Tipos de Actores

Comienzo un primer ciclo de Notas Actorales para actores y actrices profesionales y noveles, y el tema que he escogido es sobre los tipos de actores.

¿Es lo mismo ser un actor «Natural» que ser un actor «Orgánico»?

Diferencias.

¿Qué diferencia a un actor natural y a un actor orgánico?

MEMORIA DE LOS SENTIDOS

Los Ejercicios Sensoriales

 

Activar la memoria de los sentidos

Para hablar de la memoria de los sentidos, los «ejercicios sensoriales» o «ejercicios senso-emotivos». destaco que, a mi parecer, son el gran legado de los Maestros Stanilavsky y Lee Strasberg, pero que han sido poco entendidos y poco valorados.

A través de mis años impartiendo el «Taller La Actuación Orgánica«, siempre me he encontrado con poca receptividad de los alumnos a practicar estos ejercicios, ya que en un principio no perciben la gran utilidad que tienen, pero cuando comienzan a ver resultados se apasionan por ellos.

Y por supuesto, esto ha hecho que a través del tiempo haya cambiado mi manera de guiarlos, consiguiendo una manera más «atractiva» de enamorarlos a entrenar (revivir) su Memoria Sensorial sin dejar de hacerles ver que el entrenamiento actoral debe ser sumamente disciplinado:

Si fuésemos Corredores no podemos pensar que vamos a hacer una gran carrera de un día a otro. Debemos ir poco: comenzar por caminar, luego trotar, fortalecer músculos etc.

 

¿Quién debe realizar estos ejercicios sensoriales? ¿Para qué fortalecer nuestra memoria de los sentidos?

Esa inquietud, o inquietante impaciencia de todo aquel que empieza en estas lides (sin importar la edad, ni la madurez) y que desea acelerar el paso para estar pronto en un escenario, en una película o en la TV, debe convertirse siempre en sed de aprendizaje, en hambre de experimentación.

Porque si concienciamos que la Actuación es una PROFESIÓN que merece y necesita ser respetada desde la primera fase del aprendizaje (por ejemplo, un estudiante de medicina jamás pensaría que a los dos meses de entrar en la Universidad está capacitado para hacer una operación de corazón abierto) entonces entenderemos que la Formación de un Actor es algo delicado, y que va de A a la Z, no de Q a la Z.

Con todo ello, quiero enfatizar que la formación de un actor orgánico comienza por el DESPERTAR SENSORIAL, proceso que por supuesto está íntimamente relacionado con el «Trabajo del Actor sobre sí mismo».

 

EL DESPERTAR SENSORIAL

El DESPERTAR SENSORIAL no es otra cosa que el revivir o poner a flor de piel la memoria de los sentidos (Una memoria que todos tenemos, pero que vamos dejando de usar conscientemente a medida que vamos creciendo)

 

¿Qué es la Memoria de los Sentidos?

Es (en lenguaje coloquial) el archivo de sensaciones que comenzamos a llenar desde nuestras primeras experiencias, desde que somos bebés.

El ejemplo que siempre doy: Observen a un bebé comiendo por primera vez un alimento. Observen como lo saborea, como lo huele, como se lo riega en su rostro, en su ropa, como juega, como EXPERIMENTA con ese alimento que es una novedad para él.

Pues lo que está haciendo es comenzando a llenar su archivo de sensaciones que mantendrá el transcurso de su vida y que podrá recrear en el momento que desee, bajo ciertas condiciones como: estar concentrado, estar centralizado, estar entrenado.

 

Todo esto es un proceso elemental y primario del ser humano.

 

Cuando decidimos ser actores orgánicos y comenzar a entrenar nuestra memoria de los sentidos, utilizamos, obviamente, los ejercicios sensoriales. Y estos tienen CINCO SENTIDOS (estoy jugando con la sintaxis adrede) principales para realizarlos:

 

El sentido de la memoria de los sentidos

 

Primer sentido sensorial:

1– Los ejercicios o entrenamiento sensorial tienen como objetivo PRINCIPAL el rescate de la memoria sensorial. Cuando digo rescate, es porque es simplemente hacerla consciente, pero nuestra memoria sensorial siempre está activa, aunque la dejemos pasar desapercibida.

Por ejemplo, cuando llega la época decembrina en cada región o ciudad comienza a existir una atmósfera diferente llena de olores, luces, sabores, que nos traen una emoción, o «estado anímico» particular.

Nos demos cuenta o no, ese estado anímico puede durar horas, días, semanas. Esto es porque nuestra memoria sensorial (olfativa, gustativa, táctil, visual y/o auditiva) se activa y nos hace revivir un recuerdo (una situación, una persona, un objeto) lo que nos lleva a una emoción.

Para ponerlo un poco más claro:

Llega diciembre y voy caminando por una calle y de repente, de alguna casa sale un olor de un dulce navideño casero. En seguida me entra una melancolía, y es porque el olor me hace recordar a las vacaciones navideñas en familia de años anteriores donde donde la abuela horneaba ese dulce que acabo de oler casualmente.

Y ojo, es un ejemplo que puede tener diferentes inflexiones, es decir, en vez de darme melancolía, me puede dar una gran alegría al recordar el momento familiar, ya que todo dependerá de nuestro archivo vivencial.

Otro ejemplo de fácil entendimiento es la Música… La música es un estimulante natural de conexiones emocionales… Alguien puede negarlo?

 

Segundo sentido sensorial:

2- Otro objetivo (o sentido) de estos ejercicios es el trabajo, desarrollo o reforzamiento (según sea el caso) de la CONCENTRACIÓN del actor. Con cada sesión de entrenamiento sensorial se va fortaleciendo o desarrollando el «Círculo de Soledad».

Como le digo siempre a los alumnos, se puede caer el mundo a nuestro lado, pero debemos esforzarnos en concentrarnos en el procedimiento de experimentación de nuestro ejercicio…

Y OJO, esto es muy importante: EN CADA SESIÓN DE EJERCICIO SENSORIAL NUESTRA META ES CONCENTRARNOS EN EL PROCEDIMIENTO (experimentación) JAMÁS BUSCAREMOS RESULTADOS!!!

 

Tercer sentido sensorial

3- Cuando vamos realizando el entrenamiento sensorial vamos creando un archivo nuevo dentro del archivo vital que hemos llenado sin darnos cuenta (sin saber cómo o para qué)

Este nuevo archivo será llenado con pinzas, escogiendo solamente lo que nos va resultado «interesante» para nuestro trabajo actoral, pero a la vez nos ayuda a llenar de estímulos cada uno de nuestros sentidos (vista, tacto, olfato, tacto, el gusto) que nos ayudará a ponerlos «a flor de piel», evocando emociones o sensaciones apenas recurramos a estos estímulos, mediante su recreación.

 

Cuarto sentido sensorial

4– Los Ejercicios Sensoriales nos ayudan a resolver problemas de escena, en cualquier momento, en ensayo o en plena función (Mientras más estimulado- más lleno nuestro archivo sensorial a través del entrenamiento diario- tengamos la memoria sensorial, más fácilmente podremos recrear un ejercicio sensorial)

Por ejemplo, cuando en una escena perdemos el «Sentido de la Verdad» de la sensación de miedo que debemos tener debido a una circunstancia, antes de fingirla (ALGO PROHIBIDO PARA UN ACTOR ORGÁNICO) recurrimos a un ejercicio sensorial de frío (es lo que a mi me funciona) y que como estamos entrenados sensorialmente, no necesitaremos mucho aspaviento para recrearlo.

 

Quinto sentido sensorial

5- Al entrenar la memoria sensorial a través de estos ejercicios, nos llenamos de una inmensa cantidad de estímulos que derivan en creaciones artísticas

Lo anterior, no sólo lo pienso, sino que he comprobado personalmente y a través de varios alumnos.

Es decir, no solamente es para los actores, sino para músicos, escritores, poetas, pintores.

Pues los sentidos, su memoria, la concentración, el dejar fluir emociones evocadas por estos, hace que los niveles de creación aumenten debido a la conexión total con nuestras emociones, y como artistas, esa sensibilidad se hace imperiosamente presente para escribir, componer, pintar, actuar, dirigir…

Como digo constantemente, algunos le llaman Musa, yo prefiero llamarlo Descubrimiento.

 

El entrenamiento para la mejora de la memoria sensorial

Por último, cabe destacar, que es muy importante ir entrenando cada sentido por separado… Siempre recomiendo empezar por el oído, luego el olfato, luego el tacto, (el sentido del gusto se realiza normalmente a la vez con los anteriores) y terminar con el visual, agudizando nuestro sentido de observación.

Luego pasaremos a la fase mixta, donde combinaremos la recreación de elementos con dos o más sentidos, para llegar a la meta que es recrear cualquier ejercicio o elemento automáticamente mientras estamos en escena, mediante un diálogo, sin perder la concentración y sin perder conexión con «LO MAS IMPORTANTE EN ESCENA: EL OTRO»

Y además descubriremos con cual sentido tenemos más fortaleza, pues a algunos actores nos funciona mejor un sentido que otro, y de allí podemos originar nuestra «magia» actoral. O sea, yo como actriz uso mayormente el sentido del olfato, porque descubrí que este me conecta mayormente. Cada actor descubrirá cual le trae mayor ventaja.

Un ejemplo clásico, es la gran actriz y representante de «El Método» Sally Field, que siempre ha comentado que el sentido auditivo es el que utiliza para su concentración, para su conexión.

La música es su gran instrumento actoral (¿Acaso la música no es una de las más importantes herramientas que nos potencian la memoria de los sentidos?)

Además, los ejercicios sensoriales no sirven únicamente para evocar emociones!! Sino, para Resolver «Problemas» en escena, y resolver de manera orgánica, por ejemplo: El Alcohol!! Realizar un ejercicio sensorial de alcohol nos resuelve realizar un trabajo totalmente orgánico de una «borrachera»…

Si nuestro personaje está bebiendo en escena, o entra borracho (pedo) en escena (existen varios niveles de alcoholismo), un ejercicio previo de alcohol nos evitará caer en el cliché de borracho.

También, si nuestro personaje tiene algún dolor, no fingiremos el dolor, lo recrearemos! Cómo? Con un ejercicio sensorial de Dolor Físico (y Ojo, no es que vamos a pegarnos con un martillo en cabeza para recrear una jaqueca… Hay maneras de recrear este dolor sin, lógicamente, hacernos daño)

 

Cuidado!!

Y hablando de hacernos daño: debemos estar abiertos a experimentar estos ejercicios sin que nuestra integridad física o emocional corra peligro…!

Yo misma, cuando estaba como alumna, para recrear el Frío, tuve la no aconsejable idea de llenar de hielo y agua fría una bañera (tina) y sumergirme en ella a las 5 de la mañana…

Lo hice durante cuatro días seguidos. El resultado fue una gripe intensa que casi termina en bronquitis… Allí comprendí que el extremo de la experimentación es peligroso.

También he tenido un par de alumnos que han comenzado a realizar su ejercicio sensorial de «Mal olor» con olores tan intensos y tóxicos que casi se desmayan…

Cuando me lo han contado les he dicho: «Oye! De qué te sirve ese olor si luego al recrearlo en una función y te desmayas? Cómo se le explica al público que no se desmayó el personajes sino que el actor fue extremista con su entrenamiento, y que disculpen, pero que la función ha terminado porque el actor debe ir a urgencias?»

Los invito entonces a comenzar a activar esos radares sensoriales y entrenar nuestra memoria sensorial!!

Redactado por:

Clairet Hernández

SILVIA SANABRIA

"Cuando iba a comenzar a grabar mi serie "Servir y Proteger", comencé a busca cosas de "El Método" y en esa busqueda de coach de actores, me encontré por casualidad a Clay..."

CARMELA LLORET:

"Clay hace un trabajo profundo del personaje y de la escena, te ayuda de manera práctica y concreta, definiendo los verbos de acción a cada momento, y te estimula a que ..."

ARLETTE TORRES

"Contar con la asesoría y entrenamiento de Clairet ha sido todo un plus para mi trabajo. Es una gran profesional; asertiva e intuitiva en sus indicaciones y sugerencias..."

CONEXIÓN CON «EL OTRO»

EL CONTACTO CON «EL OTRO»

Lo más importante en la escena en la «Actuación Orgánica»

Cuando pregunto ¿qué es lo más importante en la escena? a un estudiante de actuación o a un actor en ciernes (y a veces incluso a actores con trayectoria) normalmente comienzan a analizar y reflexionar y terminan respondiendo cosas como: «El texto», «el espacio», «el personaje», «el público», «el vestuario», » familiarizarte con la escenografía y la utilería»… Y sí, es verdad, todo esto es importante (incluso recuerdo una anécdota graciosa de un actor que respondió una vez: «el seguidor» -«la luz del seguidor») pero nada esto es LO MÁS IMPORTANTE, porque si no tomamos en cuenta LO MÁS IMPORTANTE, nada de esto cobra vida, nada de esto tendrá el Sentido de la Verdad necesaria para que la escena (sea de Teatro, TV o Cine) sea realmente vivída… Creíble.

Para todos los amantes de «El Método», para aquellos actores y actrices que deseen conocer más sobre lo que es la Actuación Orgánica, les subo acá un vídeo del Maestro Stanislavski, y de dos de sus discípulos: Lee Strasberg y Stella Adler (en cuyos legados se basa mi Taller «La Actuación Orgánica») donde hablan personalmente de puntos importantes sobre el Acting y el trabajo del actor…

 

Transcribo las palabras del Maestro:

Stanislavski:

«… ¿Qué han hecho cuando empezaron a actuar? ¿Habéis intentado adaptaros el uno al otro? 

¿O no?, ¿Os habéis sentido? ¿O no?, ¿Estabais concentrados? ¿O no?… ¿Y en qué consiste la comunicación?

¿De qué hablaba el Maestro? 

Cuando interiorizamos que una obra de Teatro o una película se realiza para probar la validez de un TEMA que «necesitó» expresar un dramaturgo o un guionista, para lo cual creó PERSONAJES, y que los ACTORES somos simple y sencillamente el vehículo que le da vida a esos personajes para que sea mostrada la historia que validará (o no) dicho TEMA, nos damos cuenta profundamente que, aunque son muy ricos los aplausos y las buenas críticas fortalecen el autoestima del Artista, los Actores somos «obreros» que debemos trabajar en equipo para cumplir con la labor… Y no hablo del trabajo en equipo del director con los actores, los técnicos, los productores, etc. Hablo del trabajo de equipo en escena, o sea, del trabajo entre los actores que comparten una escena.

En otras palabras: no estamos en escena para que se nos escuche bien, para vernos bonito o para conseguir admiradores, sino para trabajar PARA el otro… Y ese otro está allí, para trabajar para nosotros… Es un binomio, que aunque es lo más lógico del mundo, muchas veces cuesta hacerlo ver, y peor aún, cuesta hacerlo entender.

Entonces: LO MÁS IMPORTANTE EN ESCENA ES EL OTRO!!!!

Si estamos en escena pendientes únicamente del texto, de «no perdernos en el texto», de «mi próxima linea», y no estamos en un real y verdadero contacto con el otro, nada de lo que hagamos en esa escena será netamente vívido. Simplemente será actuado, y normalmente se realizará para «camelar» al público, lo que hace traicionar la máxima del trabajo sentido que estableció el padre de la Actuación Orgánica, Constantin Stanislavski«VIVIR LA PARTE»

La conexión es la clave, la conexión con el otro, que la logramos gracias a la conexión con nosotros mismos, es decir, la conexión con nosotros mismos permite que fluya la conexión con EL OTRO, y por ende todo fluye en la escena como debe ser.

No hay mayor ciencia: estamos allí en escena para trabajar para nuestro compañero de escena… Y viceversa

Para ellos, debemos ANCLARNOS en EL OTRO… Lo que está sucediendo de la Cuarta Pared hacia adentro es lo único que nos debe importar… Y con quién estamos de la Cuarta Pared hacia adentro?… pues, con EL OTRO!!!, por lo que repito: Qué es lo más importante en escena?…. EL OTRO!!!

Y qué sucede si estoy en plena escena y me desconecto, y me quedo en blanco (al actor más experimentado y talentoso le puede pasar, pues SOMOS SERES HUMANOS)… Si eso sucede, pues me anclo más profundamente en mi compañero y él (o ella) me salvará, porque él o ella, está allí trabajando para mí y lo más importante para él (o ella) soy yo (En escena por supuesto, Jejeje)

Y cómo me anclo? Sencillo: ESCUCHANDO al otro (CONTACTO)

Es algo así como las «Normas del buen hablante y del buen oyente»… Si tengo una conversación con una persona, y estoy ensimismada hablando y hablando, sin percatarme si esa persona me escucha, sin tomar en cuenta cómo le afecta lo que le digo, y sin permitir que se exprese… Pues ese » diálogo» pierde toda la importancia del mundo porque allí no sucede NADA… Y si un tercero (el público) está observando este momento, pues va a perder interés total y se marchará (física o mentalmente)

Ahora bien… Y si estoy sola en escena? Si es un monólogo? No tengo un OTRO? Cómo hago???

Un monólogo SIEMPRE, SIEMPRE debe tener un OTRO… En algunos monólogos ese OTRO será un personaje fuera de escena, un elemento (una foto, un fantasma, una escoba, un animal disecado, etc.), en otros monólogos, sin Cuarta Pared, ese OTRO es el público… Y nos anclamos en él…!

¿Por qué?

Porque la fórmula es:

EMISOR (yo) – MENSAJE (Texto) – RECEPTOR (el otro)

Entonces:

 

 

 

¿QUÉ ES LO MÁS IMPORTANTE EN ESCENA?… EL OTRO!!!

By Clairet Hernández

SILVIA SANABRIA

"Cuando iba a comenzar a grabar mi serie "Servir y Proteger", comencé a busca cosas de "El Método" y en esa busqueda de coach de actores, me encontré por casualidad a Clay..."

CARMELA LLORET:

"Clay hace un trabajo profundo del personaje y de la escena, te ayuda de manera práctica y concreta, definiendo los verbos de acción a cada momento, y te estimula a que ..."

ARLETTE TORRES

"Contar con la asesoría y entrenamiento de Clairet ha sido todo un plus para mi trabajo. Es una gran profesional; asertiva e intuitiva en sus indicaciones y sugerencias..."

¿QUÉ ES EL COACHING ACTORAL?

Una guía para los actores

¿Es necesario el coaching actoral? Actualmente me encuentro realizando coaching actoral en Madrid para actores locales (coaching presencial) y actores en diversas partes del mundo (Chile, Argentina, México, Venezuela y Estados Unidos), y esta labor me ha permitido comprobar una vez más que uno de los momentos de mayor vulnerabilidad que padecemos los actores es cuando llega a nuestras manos un nuevo personaje, bien sea a través de la separata para un casting, de una nueva obra de Teatro o cuando comenzamos a sacar adelante un guión de cine o un libreto (personaje para ficción)

Es justo ese momento donde más se necesitamos de una guía, de un tercer ojo que nos coja de la mano y nos ayude a llegar a un lugar seguro. Y vale decir que no son únicamente los actores noveles o con poca experiencia quiénes necesitan un coaching actoral… ¡No!… Son TODOS, somos TODOS los actores los que necesitamos esa gran guía… Pues si investigas verás que Al Pacino o Nicole Kidman (por nombrar sólo dos actores mundialmente conocidos) no trabajan nunca solos, sino que siempre van de la mano de sus respectivos Coachs actorales.

 

Y ¿cuál es ese lugar seguro? 

Es el lugar llamado «Confianza«, donde nos vamos a sentir seguros y por ende nuestra capacidad creativa se exponencia a la máxima potencia.

 

¿Qué nos ha sentirnos seguros?

Tener un conocimiento detallado de lo que realmente sucede en la escena, de qué le sucede a nuestro personaje, es decir para qué y por qué está allí nuestro personaje.

 

¿Cómo llegamos allí?

Llegamos allí a través de un profundo y detallado desglose de escena

Desglosar es desmenuzar, deshacer, deshilachar, desentrañar, desembrollar un texto para DESCUBRIR el corazón del mismo.

Y justamente, allí empieza mi labor como Coach Actoral para trabajar tus escenas, interpretar el texto, analizarlo sin intelectualizarlo, entender al personaje: su Súper Objetivo, objetivos, acciones (verbos), motivaciones, o mejor explicado así: Yo te ayudo a establecer cuáles son las Acciones que realiza tu personaje para alcanzar los objetivos que se plantea motivado por lograr su SUPEROBJETIVO, es decir entender su razón de existir.

 

Coaching Actoral en Madrid y en cualquier lugar del mundo

¿Cómo trabajaremos la sesión de coach actoral?

-Comenzamos con la «Cold reading»

-Desentrañaremos el Sí mágico, la relación con el otro, los aspectos circunstánciales del personaje, el espacio, las acciones, las actividades, etc.

-Analizaremos la estructural lineal (parte objetiva de este análisis), en otras palabras, estableceremos los Momentos de la o las escenas.

-Analizaremos la estructura emocional (Tema, Personajes, Superobjetivos, Motivaciones, Objetivos, Acciones, Modificadores, Actividades)

-En medio de todo esto vas a ir aprendiendo el texto de la manera más orgánica, que es a través de la ilación de acciones.

 

¿Qué NO deberíamos JAMÁS hacer los actores?

JAMÁS deberíamos aprendernos el texto al caletre, porque eso hace que nos mecanicemos, que no encontremos nunca la vena vital de la escena. Es como cuando cantamos un himno nacional, o la canción de cumpleaños o una canción infantil… que nos la sabemos, pero la cantamos tan automáticamente que no la VIVIMOS…

Algunos actores optan por estudiar ese texto y buscar respuestas sin un orden u objetivos específicos -algo que no está mal- pero que corren el riesgo de la autodirección, lo cual puede ocasionar que en el momento de hacer el casting o ensayo, o filmación, mecanicen su propuesta, pues su preparación previa ha consistido en intelectualizar la escena y no en desglosarla.

 

¿Qué SI debemos SIEMPRE hacer los actores?

Los actores debemos SIEMPRE recordar la máxima número uno: DISFRUTAR el momento, sea cual sea la circunstancia del personaje, sea cual sea el compromiso de trabajo, pues cuando los actores dejamos de disfrutar la actuación, deberíamos buscar otra profesión…

Así que si deseas una sesión de coaching actoral de «LA ACTUACIÓN ORGÁNICA», de manera presencial o vía on línea, puedes escribirme por este medio o llamarme. Será un gran gusto atenderte.

Te dejo testimonios de algunos actores que han trabajado conmigo y que muy gustosamente han compartido sus experiencias con mi coaching actoral en Madrid y en otros países:

SILVIA SANABRIA

"Cuando iba a comenzar a grabar mi serie "Servir y Proteger", comencé a busca cosas de "El Método" y en esa busqueda de coach de actores, me encontré por casualidad a Clay..."

CARMELA LLORET:

"Clay hace un trabajo profundo del personaje y de la escena, te ayuda de manera práctica y concreta, definiendo los verbos de acción a cada momento, y te estimula a que ..."

ARLETTE TORRES

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LA ACTUACIÓN ORGÁNICA

¿Qué es la actuación orgánica?

¿De donde viene?

https://www.youtube.com/watch?v=1623SMXkJCw

Mi proceso de Formación Actoral

BASADO EN “EL MÉTODO” DE LEE STRASBERG Y LA TÉCNICA DE STELLA ADLER

La formación del actor consta de tres etapas:

-El trabajo sobre sí mismo

Sobre la Acción y la Relación con los otros

-Sobre escenas de obras que le permitan al actor ejercitar las aptitudes adquiridas en las anteriores etapas, dentro de contextos dramáticos prefijados” (Lee Strasberg)

¿Qué es la Actuación Orgánica?

Una de las principales características de la técnica de Constantin Stanislavski, que es de donde deriva LA ACTUACIÓN ORGÁNICA, es que el aporte de herramientas para que el actor entre en conexión con su interior para el fortalecimiento del conocimiento de sus capacidades, carencias y bloqueos.

Cuando se es niño, se tiene un gran sentido de expresar emociones y sentimientos, así como también una gran sensibilidad, originado esto por el innato deseo de experimentación del mundo.

Sin embargo, esto se va perdiendo a medida que vamos creciendo, debido a que la sociedad va dictando una serie de pautas, normas y patrones que por lo general no son bien conducidas y que van generando bloqueos de emociones.

LA ACTUACIÓN ORGÁNICA nos permite una actuación real, vívida, que trae como consecuencia una verdad escénica.

El primer paso para entender y/o conocer el ABC de esta técnica,  es la puesta en práctica de una serie de ejercicios individuales y prácticos que otorgan las herramientas necesarias para que el actor perfeccione y sepa utilizar sus propios recursos

!Y como consecuencia se activa la sensibilización actoral!

Antecedentes de La Actuación Orgánica

CONSTANTIN STANISLAVSKI

El padre del teatro moderno. Paralelamente a su trabajo como director y actor, Stanislavski llevó a cabo una importantísima labor como pedagogo, creando el llamado «método de las acciones físicas», conocido también como.

La preocupación fundamental de Stanislavski fue la de luchar contra un estilo de actuación grandilocuente, basado en el cliché, el estereotipo repetitivo y vacío de emociones que imperaba en su época.

Reaccionó contra el divismo y se opuso a la actuación narcisista dirigida hacia el espectador sólo en busca de aplausos.

Rescató al actor como artista.

Propuso un modelo de actor honesto consigo mismo y con su arte, un actor que trabaje sobre la verdad, ya que para el maestro ruso no existía arte sin verdad (LA GRAN VERDAD EN ESCENA).

Elevó al actor a la categoría de creador.

A la noción idealista de la creación vinculada a conceptos escasamente objetivos como talento, intuición, genio, inspiración; opuso un elevado profesionalismo en el actor, basado en un método que le permitía encontrar estados emocionales auténticos y dejar de depender de la aparición azarosa de los mismos.

Hasta ese momento, los manuales de actuación se limitaban a describir los rasgos externos aconsejables para la manifestación de los diversos estados de ánimo, personajes y caracteres.

Se le ofrecía al actor una lista completa de recursos (normalmente gestos estereotipados) para representar la alegría, el dolor, la pena, la bondad, etc., lo que conducía al cliché y a una actuación mecánica.

A este tipo de actuación Stanislavski opone una actuación orgánica, basada en la verdad escénica. Lo que atrae su atención no es la manifestación exterior de los sentimientos, sino su origen, la lógica de su nacimiento y desarrollo.

El contenido fundamental de su método consiste en la creación de una imagen escénica viva, sobre la base del espíritu creador del intérprete. El actor no debe aparentar en el escenario, sino existir de verdad; no debe representar, sino vivir.

Es decir sentir, pensar y comportarse sinceramente en las circunstancias de la ficción.

LEE STRASBERG

Director teatral estadounidense de origen polaco. Continuador de las técnicas de interpretación desarrolladas en el Teatro de Arte de Moscú por Constantin Stanislavski, desarrolló en los Estados Unidos su propio Método.

En 1947 se une a la creación de una de las más famosas escuelas de actuación: el Actor’s Studio, que fue el foco para una generación de actores jóvenes comprometidos con un nuevo estilo experimental de interpretar su arte.

Definió a la actuación como “la capacidad para reaccionar ante estímulos imaginarios», y manifiesta que sus presupuestos esenciales son una sensibilidad fuera de lo común y una inteligencia extraordinaria para comprender los procesos del alma humana”.

STELLA ADLER

Actriz estadounidense, consagrada en Broadway y considerada como una de las más destacadas profesoras de interpretación y quién dejó un gran legado. 

Proveniente de un familia actoral, fue parte significativa de un movimiento teatral que prosperó en Nueva York desde finales del siglo diecinueve hasta bien entrada la década de 1950, luego, años más tarde Stella Adler se dedicó a la enseñanza de la interpretación.

Fue la única actriz estadounidense que recibió clases directamente de Constantín Stanislavski, cuando ella y el Group Theatre, se interesan por aprender de este Maestro cuando los deslumbró con su puesta en escena de La Gaviota cuando estuvo de gira por Estados Unidos.

Como es bien conocida la historia, sus diferencias de opinión con Lee Strasberg sobre la correcta enseñanza del sistema Stanislavski, contribuyeron a la disolución del grupo y cada quién tomó su camino como Maestros de actuación.

https://www.youtube.com/watch?v=croRB2494qg

¿En que no estaban de acuerdo?

Mientras Strasberg apostaba en un principio por la memoria emocional para lograr grandes momentos orgánicos en los actores, Adler apostaba en el uso de la imaginación en conjunto con “el otro” y el espacio.

Importante: LOS ACTORES NO NECESITAN -NI DEBEN- MASTURBARSE EMOCIONALMENTE EN ESCENA, ESO NO ES LO QUE EL PÚBLICO DESEA VER… 

Lo que el público desea ver es una historia (en cine, teatro o tv) que les diga algo o que los entretenga, que sea tan real como la vida misma.

Ahora bien, ¿qué sucede si combinamos un poco el legado de estos Maestros?

Primero, deseo dejar claro que uso de la memoria emocional o memoria emotiva no puede ser un hecho perturbador para el actor.

El mismo Strasberg mediante su largo proceso de enseñanza y estudio del hecho actoral estableció una serie de herramientas para lograr conexiones o estados emocionales auténticos sin afectar la psiquis del actor, pues cuando esto ocurre el resultado es “sencillamente” un mayor bloqueo del actor.

Por eso la Memoria Emotiva es el último recurso que debe ser utilizado, y se utiliza SIEMPRE Y CUANDO no sobrepase los limites de sanidad emocional y SIEMPRE Y CUANDO el actor así lo decida, es decir, antes de utilizar esta herramienta hay muchas más sobre las cuales trabajar, como por ejemplo, la Memoria de los Sentidos (Leer aquí…) 

Y si esto lo combinamos con el desarrollo de uno de los “músculos” más importante en un actor creador, que es la IMAGINACIÓN, suceden momentos asombrosos, artísticamente sublimes de gran contenido emocional y verdad escénica…

Pero es importante recalcar que todas estas herramientas las utilizamos en consecuencia y luego de trabajar el primer recurso y más importante: el Sí Mágico

Y esa combinación es la que justamente trabajo en LA ACTUACIÓN ORGÁNICA, en la formación del actor, en el trabajo del actor en su escena, en la creación del personaje y en mis sesiones de coaching actoral, luego de años de enseñanza y feedback de alumnos y actores con quienes he trabajado.

Mi proceso de enseñanza

Mi taller sobre la Actuación Orgánica «La Verdad en Escena» ha sido diseñado para dar a conocer las herramientas con las que cuenta el actor para el desarrollo de un trabajo orgánico en escena, enfocándome primordialmente en tres ítems básicos:

– Ejercicios Sensoriales, que buscan el despertar de los Sentidos y su Memoria

-Ejercicios Individuales, que buscan la consecución del proceso orgánico del participante. El conocimiento del Actor sobre sí mismo.

– Ejercicios Grupales, que buscan el trabajo del actor y su relación con «El Otro»

– Trabajo sobre Escenas (Escogidas en el transcurso del Taller, o bien escenas que previamente esté trabajando el Actor Participante)

 

“El actor debe ser un observador atento no sólo en la escena, sino también en la vida real. Debe concentrarse con todo su ser en lo que lo atrae; debe mirar un objeto, no como un transeúnte distraído, sino con penetración, porque de lo contrario su método creador no guardará relación con la verdad de la vida ni con su época”.

Constantin Stanislavski

“El verdadero actor no actúa, sino que siente, crea y proyecta”

By Clairet Hernández

SILVIA SANABRIA

"Cuando iba a comenzar a grabar mi serie "Servir y Proteger", comencé a busca cosas de "El Método" y en esa busqueda de coach de actores, me encontré por casualidad a Clay..."

CARMELA LLORET:

"Clay hace un trabajo profundo del personaje y de la escena, te ayuda de manera práctica y concreta, definiendo los verbos de acción a cada momento, y te estimula a que ..."

ARLETTE TORRES

"Contar con la asesoría y entrenamiento de Clairet ha sido todo un plus para mi trabajo. Es una gran profesional; asertiva e intuitiva en sus indicaciones y sugerencias..."

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