CÓMO PREPARAR UN CASTING

¿CÓMO PREPARO MI CASTING?

Lo primordial a la hora de preparar un Casting es tener un entendimiento total de la escena que te ha tocado, y para lograr este entendimiento lo más efectivo es que realices un buen desglose de escena.

Además de ofrecerte mi sesión de coach donde justamente es uno de los objetivos, he preparado un entrenamiento donde vas a aprender cómo desglosar una escena y así analizarla correctamente hasta llegar al corazón de la misma.

Normalmente cuando recibimos la separata o guion para un casting, recibimos una o varias escenas sin mayor información que una pequeña descripción del personaje, y quizás una acotación para más o menos situarnos. Y es importante que con esa breve información podamos realizar una escena óptima y con una propuesta interesante, pero que no esté alejada de la primicia.

Y este análisis toma vital importancia en la actualidad, ya que como sabemos el “Self-tape” está cada día con mayor auge. Por ello saber realizar un buen desglose de escena es primordial para el actor que debe audicionar desde la intimidad de su hogar.

Y si ya tienes el personaje, es igual muy importante que analices y desgloses tu escena para llevar propuestas al director y sobre todo para ir con seguridad, pues entendiendo bien la escena tienes ya todo el trabajo hecho y sólo queda seguir la acotaciones directoriales.

 

¿Cómo se realiza un Desglose de Escena?

Es justamente de lo que trata este entrenamiento online  y que tiene la finalidad de instruir a actores y actrices que deseen conocer cómo se realiza el análisis de un texto teatral o guion de cine o TV en la Actuación Orgánica, llamada también “técnica americana”, para la preparación de castings, escenas, personajes, y que a la vez, es una herramienta que se utiliza para acelerar el proceso de aprendizaje del texto de manera orgánica.

 

 ¿Qué aprenderás en esta Curso?

Aprenderás a realizar un exhaustivo y a la vez intuitivo desglose de escena, que te va a llevar al análisis más sagaz de la o las escenas. Vas a aprender a desglosarlo, y desmenuzarlo,  hasta saber por qué suceden tales o cuales acciones para lograr una interpretación consecuente y llena de verdad escénica.

Vas a aprender a esclarecer “Las Circunstancias de la Escena”, el “Sí Mágico”, las “Acciones”, los “Objetivos”, los “Subtextos”, y también a establecer ciertos ejercicios o herramientas actorales que impulsen tu desempeño actoral (ejercicios sensoriales, imágenes, contactos emocionales, caracterizaciones, etc.)

 Contenido:  

  1. Mapa del Actor
  2. Estructural Lineal: Escena, Momento
  3. Estructura emocional: Tema, Personajes, Superobjetivos, Motivaciones, Objetivos, Acciones, Modificadores, Actividades
  4. Desglose detallado por acciones
  5. Las Circunstancias de la Escena
  6. Relación con “El Otro”
  7. Relación con el espacio
  8. Conflicto Externo y Conflicto Interno.

Es importante destacar que no será un curso netamente teórico, sino que iremos realizando un desglose en vivo y directo de una interesante escena, a medida que se van desarrollando el curso.

ENTRENAMIENTO EXCLUSIVO (INDIVIDUAL)

Duración: 4 horas 

(2 sesiones de 2 horas)

Precio =  100€

Promoción: 60€

*Fechas y Horarios según disponibilidad

ENTRENAMIENTO GRUPAL (3 PERSONAS)

Duración: 4 horas  (2 sesiones de 2 horas)

Precio =  80€ p.p.

Promoción: 40€ p.p.

*Si planificas este entrenamiento con 2 actores/actrices más, tendrás además un descuento del 10% sobre la promoción

*Fechas y Horarios según disponibilidad

LA IMPROVISACIÓN

Cuando el personaje piensa

Hablemos de la improvisación como herramienta en el proceso actoral orgánico, es decir, la Improvisación en la La Actuación Orgánica. Si buscamos definiciones técnicas de “Improvisación” podemos conseguir lo siguiente:

f. Acción repentina que se hace sin preparación, con los medios de los que se disponga en ese momento ( WordReference)

La improvisación es la acción y efecto de improvisar, o sea hacer algo de pronto, sin haberse preparado previamente o sin que el entorno lo espere. Por extensión, se conoce como improvisación a la obra o ejecución musical improvisada. Por ejemplo: “El guitarrista sorprendió con una improvisación de diez minutos”. https://definicion.de/improvisacion

Y justamente, por ese concepto de que es “algo que se realiza sin preparación previa” tiende a haber confusiones cuando se requiere usar esta herramienta para el quehacer actoral.

Por ejemplo, entre muchas anécdotas que tienen que ver con este tema, está una muy peculiar y que me sirvió en su momento para explicarle a una alumna de manera más tangible cómo debe realizarse realmente una improvisación:

Ella me contó que un día un director de Teatro, en un casting, le dijo: “Haz una improvisación de una sifrina (chica pija)”, sin darle ninguna premisa. Ella, junto a su compañera de escena, comenzó a improvisar y por supuesto al minuto no sabían qué hacer ninguna de las dos, diciendo cosas sin sentido y sin ningún norte, por lo que la improvisación resultó en un ejercicio actoral estéril, y lo más preocupante, en un ejercicio que le creó una gran inseguridad en escena.

Lo primero que le dije fue: “o ese director no tiene idea de qué es una improvisación, o quiso probar MUY RUDAMENTE tu capacidad como Actriz”.

 

Pero ¿Qué podemos hacer cuando nos pasa algo así?

Lo primero es saber que una improvisación requiere de un estudio previo, aunque suene contradictorio, la mejor improvisación es la que se planifica.

Si se improvisa a lo loco, sin premisas ni objetivos, será algo estéril, inútil, y frustrante.

Es como si le pedimos a un Músico que improvise en un guitarra un Jazz, por muy buen músico que sea, si no conoce la estructura del Jazz, esa improvisación no será muy buena.

O como si deseamos realizar una tarta, y pretendemos improvisar haciéndola, pero no sabemos bien los ingredientes ni los pasos para realizarla, seguramente el resultado NO será una tarta (Esto me ha pasado a mí misma)

La intuición del actor y por supuesto la imaginación, se potencian cuando se establece un mapa para la improvisación.

Me explico, si algún día os pasa algo así donde os pidan una improvisación de manera tan fatua, y aún asi, deseáis hacerla, debéis ágilmente planificarla con los aspectos más importantes que debéis establecer para realizar una improvisación.

 

¿Cuáles son los aspectos que debemos establecer para una Improvisación en La Actuación Orgánica?

Estos aspectos son claros y precisos, y establecerlos correctamente es lo que hará que nuestra improvisación dé grandes frutos:

  • OBJETIVO: lo primero establecer cuál es el objetivo de la improvisación, es decir, ¿para qué vamos a realizarla? ¿Qué estamos buscando?… Y según sea nuestra necesidad, nos planteamos los siguientes aspectos.
  • OBJETIVOS EN LA ESCENA: ¿cuáles son los objetivos de mi personaje (si ya lo hemos trabajado) en la situación o escena?.
  • ACCIONES: ¿Qué acciones (verbos) debo tomar para alcanzar los objetivos?.
  • CIRCUNSTANCIAS DE LA ESCENA: Me den estas premisas o no, debo establecerlas.
  • SÍ MÁGICO: Aunque lo pongo de último, como siempre digo en todos mis post y clases, SIEMPRE SIEMPRE lo primero es probar todo desde el SÍ Mágico.

 

Improvisación como herramienta o como espectáculo

La improvisación no sólo es usada como herramienta para la formación actoral, el entrenamiento de actores, sino también para la búsqueda de orgánicidad escénica. De echo, el gran maestro Constantin Stanislavski, el padre de la actuación orgánica es quien desempolva el arte de la improvisación, y la establece como importante y trascendental herramienta actoral.

Siempre es importante realizar una serie de improvisaciones (con premisas bien establecidas) luego de un desglose de escena, y a la vez debemos realizarla cuando hemos mecanizado una escena, o hemos perdido el contacto con el otro.

Además, la improvisación se utiliza para la creación de obras de teatro, guiones, canciones, etc. Pero repito, siempre con un plan establecido…

Y por supuesto, no puedo dejar de comentar sobre la Improvisación como Género Teatral, ya que yo por un tiempo estuve trabajando dentro de un grupo de improvisación teatral, lo cual ha sido una grata y enriquecedora experiencia, pues no sólo las herramientas actoral que te aporta el hecho de Improvisar directamente en el escenario, frente a un público, sino el entrenamiento semanal que teníamos para, precisamente estar a tono y con agilidad mental y emocional para poder realizar cada función.

Hay dos figuras muy importantes de este género ya que son precursores del mismo:

Viola Spolin y Keith Johnstone, a quienes recomiendo leer ya que sus procesos y ejercicios (juegos) de improvisación han sido la raíz de todo el movimiento mundial del arte de la improvisación teatral.

Entonces, ya sabemos, no olvidemos planificar bien nuestra improvisación, aunque tengamos décimas de segundo para hacerlo. Creédme, la experiencia y la práctica te llevan a esa agilidad necesaria para los actores.

 

By Clairet Hernández

CIRCUNSTANCIAS DE ESCENA

¿Qué aspectos o circunstancias FUNDAMENTALES debo tomar en cuenta en una escena?

Estamos trabajando una escena, comenzamos a realizar su desglose, sentimos que tenemos claro qué está sucediendo en ella, es decir, cuál es nuestro súper objetivo, cuales objetivos nos planteamos para cumplirlo y qué acciones realizamos para lograrlos, pero no siempre tomamos en cuenta las circunstancias de la escena.

Y estas circunstancias son sumamente importantes y trascendentales, ya que nos permiten terminar de aclarar dicha escena.

Los aspectos circunstanciales

Los aspectos circunstanciales, o “circunstancias de la escena” son fundamentales a la hora de entender aún mayormente que le sucede a nuestro personaje, y por supuesto modifican nuestra primera lectura de la escena.

 

¿Cuáles son los aspectos circunstanciales?

Podemos hablar de varios, así como en la vida misma hay diversas circunstancias que nos definen momentos y situaciones, pero para que sea efectivo el entendimiento y desarrollo orgánico de una escena son 5 los aspectos que debemos tomar en cuenta.

 

1 . ¿De dónde vengo?

Este aspecto no se refiere al lugar físico per se, sino emocional y/o circunstancial de donde viene mi personaje. Ejemplo: en la escena que estoy trabajando mi personaje llega a su casa y tiene una fuerte discusión. Y ¿de donde viene? ¿Donde estaba antes y qué le sucedió? ¿Viene de pasar todo un día trabajando y está sumamente cansado? ¿Acaba de pasar una noche de copas donde celebraba un ascenso? ¿Viene del funeral de un ser querido?

 

2 . ¿Donde estoy?

Nuestra naturaleza humana hace que instintivamente nos comportemos de manera distinta según el lugar donde estemos. Por lo tanto, el lugar donde se realiza es escena es fundamental a tomar en cuenta. ¿Es un sitio público? ¿Un lugar propio o ajeno? ¿Estamos en una boda? ¿En un funeral? ¿Es nuestro lugar de trabajo?.

 

3 . ¿Qué estoy haciendo?

Las actividades físicas marcan la escena y viceversa, y por supuesto son afectadas por la MOTIVACIÓN, tengan o no que ver con el o los objetivos de mi personaje en la escena. Es decir, el “¿Qué estoy haciendo”? tiene que ver con los momentos (levantándome para ir a trabajar, vistiéndome para ir a una fiesta cualquiera, vistiéndome para ir a la boda de mi amante) o con la acción en sí (mi personaje limpia la escena de un crimen que acaba de cometer)

 

4. ¿Qué hora es?

Aunque parezca una nimiedad, este aspecto es muy importante a resolver en una escena. Pocas veces el autor o escritor lo establece tácitamente, y entonces como actores debemos encargarnos de establecerlo. ¿Por qué? Porque no es lo mismo un acontecimiento, y nuestra reacción hacia dicho acontecimiento, a media mañana, a media tarde o a media noche.

 

5. ¿A dónde voy?

Tampoco se refiere al lugar físico per se, sino que es todo un conjunto; acciones, objetivos, urgencia. Y la motivación de la escena, normalmente viene arropada con este aspecto. ¿Después de esta escena mi personaje va a pedirle matrimonio a alguien? ¿Va a matar a alguien? ¿Acude a cobrar la lotería que ha ganado?

 

By Clairet Hernández

LA ACTUACIÓN ORGÁNICA

¿Qué es la actuación orgánica?

¿De donde viene?

https://www.youtube.com/watch?v=1623SMXkJCw

Mi proceso de Formación Actoral

BASADO EN “EL MÉTODO” DE LEE STRASBERG Y LA TÉCNICA DE STELLA ADLER

La formación del actor consta de tres etapas:

-El trabajo sobre sí mismo

Sobre la Acción y la Relación con los otros

-Sobre escenas de obras que le permitan al actor ejercitar las aptitudes adquiridas en las anteriores etapas, dentro de contextos dramáticos prefijados” (Lee Strasberg)

¿Qué es la Actuación Orgánica?

Una de las principales características de la técnica de Constantin Stanislavski, que es de donde deriva LA ACTUACIÓN ORGÁNICA, es que el aporte de herramientas para que el actor entre en conexión con su interior para el fortalecimiento del conocimiento de sus capacidades, carencias y bloqueos.

Cuando se es niño, se tiene un gran sentido de expresar emociones y sentimientos, así como también una gran sensibilidad, originado esto por el innato deseo de experimentación del mundo.

Sin embargo, esto se va perdiendo a medida que vamos creciendo, debido a que la sociedad va dictando una serie de pautas, normas y patrones que por lo general no son bien conducidas y que van generando bloqueos de emociones.

LA ACTUACIÓN ORGÁNICA nos permite una actuación real, vívida, que trae como consecuencia una verdad escénica.

El primer paso para entender y/o conocer el ABC de esta técnica,  es la puesta en práctica de una serie de ejercicios individuales y prácticos que otorgan las herramientas necesarias para que el actor perfeccione y sepa utilizar sus propios recursos

!Y como consecuencia se activa la sensibilización actoral!

Antecedentes de La Actuación Orgánica

CONSTANTIN STANISLAVSKI

El padre del teatro moderno. Paralelamente a su trabajo como director y actor, Stanislavski llevó a cabo una importantísima labor como pedagogo, creando el llamado “método de las acciones físicas”, conocido también como.

La preocupación fundamental de Stanislavski fue la de luchar contra un estilo de actuación grandilocuente, basado en el cliché, el estereotipo repetitivo y vacío de emociones que imperaba en su época.

Reaccionó contra el divismo y se opuso a la actuación narcisista dirigida hacia el espectador sólo en busca de aplausos.

Rescató al actor como artista.

Propuso un modelo de actor honesto consigo mismo y con su arte, un actor que trabaje sobre la verdad, ya que para el maestro ruso no existía arte sin verdad (LA GRAN VERDAD EN ESCENA).

Elevó al actor a la categoría de creador.

A la noción idealista de la creación vinculada a conceptos escasamente objetivos como talento, intuición, genio, inspiración; opuso un elevado profesionalismo en el actor, basado en un método que le permitía encontrar estados emocionales auténticos y dejar de depender de la aparición azarosa de los mismos.

Hasta ese momento, los manuales de actuación se limitaban a describir los rasgos externos aconsejables para la manifestación de los diversos estados de ánimo, personajes y caracteres.

Se le ofrecía al actor una lista completa de recursos (normalmente gestos estereotipados) para representar la alegría, el dolor, la pena, la bondad, etc., lo que conducía al cliché y a una actuación mecánica.

A este tipo de actuación Stanislavski opone una actuación orgánica, basada en la verdad escénica. Lo que atrae su atención no es la manifestación exterior de los sentimientos, sino su origen, la lógica de su nacimiento y desarrollo.

El contenido fundamental de su método consiste en la creación de una imagen escénica viva, sobre la base del espíritu creador del intérprete. El actor no debe aparentar en el escenario, sino existir de verdad; no debe representar, sino vivir.

Es decir sentir, pensar y comportarse sinceramente en las circunstancias de la ficción.

LEE STRASBERG

Director teatral estadounidense de origen polaco. Continuador de las técnicas de interpretación desarrolladas en el Teatro de Arte de Moscú por Constantin Stanislavski, desarrolló en los Estados Unidos su propio Método.

En 1947 se une a la creación de una de las más famosas escuelas de actuación: el Actor’s Studio, que fue el foco para una generación de actores jóvenes comprometidos con un nuevo estilo experimental de interpretar su arte.

Definió a la actuación como “la capacidad para reaccionar ante estímulos imaginarios”, y manifiesta que sus presupuestos esenciales son una sensibilidad fuera de lo común y una inteligencia extraordinaria para comprender los procesos del alma humana”.

STELLA ADLER

Actriz estadounidense, consagrada en Broadway y considerada como una de las más destacadas profesoras de interpretación y quién dejó un gran legado. 

Proveniente de un familia actoral, fue parte significativa de un movimiento teatral que prosperó en Nueva York desde finales del siglo diecinueve hasta bien entrada la década de 1950, luego, años más tarde Stella Adler se dedicó a la enseñanza de la interpretación.

Fue la única actriz estadounidense que recibió clases directamente de Constantín Stanislavski, cuando ella y el Group Theatre, se interesan por aprender de este Maestro cuando los deslumbró con su puesta en escena de La Gaviota cuando estuvo de gira por Estados Unidos.

Como es bien conocida la historia, sus diferencias de opinión con Lee Strasberg sobre la correcta enseñanza del sistema Stanislavski, contribuyeron a la disolución del grupo y cada quién tomó su camino como Maestros de actuación.

https://www.youtube.com/watch?v=croRB2494qg

¿En que no estaban de acuerdo?

Mientras Strasberg apostaba en un principio por la memoria emocional para lograr grandes momentos orgánicos en los actores, Adler apostaba en el uso de la imaginación en conjunto con “el otro” y el espacio.

Importante: LOS ACTORES NO NECESITAN -NI DEBEN- MASTURBARSE EMOCIONALMENTE EN ESCENA, ESO NO ES LO QUE EL PÚBLICO DESEA VER… 

Lo que el público desea ver es una historia (en cine, teatro o tv) que les diga algo o que los entretenga, que sea tan real como la vida misma.

Ahora bien, ¿qué sucede si combinamos un poco el legado de estos Maestros?

Primero, deseo dejar claro que uso de la memoria emocional o memoria emotiva no puede ser un hecho perturbador para el actor.

El mismo Strasberg mediante su largo proceso de enseñanza y estudio del hecho actoral estableció una serie de herramientas para lograr conexiones o estados emocionales auténticos sin afectar la psiquis del actor, pues cuando esto ocurre el resultado es “sencillamente” un mayor bloqueo del actor.

Por eso la Memoria Emotiva es el último recurso que debe ser utilizado, y se utiliza SIEMPRE Y CUANDO no sobrepase los limites de sanidad emocional y SIEMPRE Y CUANDO el actor así lo decida, es decir, antes de utilizar esta herramienta hay muchas más sobre las cuales trabajar, como por ejemplo, la Memoria de los Sentidos (Leer aquí…) 

Y si esto lo combinamos con el desarrollo de uno de los “músculos” más importante en un actor creador, que es la IMAGINACIÓN, suceden momentos asombrosos, artísticamente sublimes de gran contenido emocional y verdad escénica…

Pero es importante recalcar que todas estas herramientas las utilizamos en consecuencia y luego de trabajar el primer recurso y más importante: el Sí Mágico

Y esa combinación es la que justamente trabajo en LA ACTUACIÓN ORGÁNICA, en la formación del actor, en el trabajo del actor en su escena, en la creación del personaje y en mis sesiones de coaching actoral, luego de años de enseñanza y feedback de alumnos y actores con quienes he trabajado.

Mi proceso de enseñanza

Mi taller sobre la Actuación Orgánica “La Verdad en Escena” ha sido diseñado para dar a conocer las herramientas con las que cuenta el actor para el desarrollo de un trabajo orgánico en escena, enfocándome primordialmente en tres ítems básicos:

– Ejercicios Sensoriales, que buscan el despertar de los Sentidos y su Memoria

-Ejercicios Individuales, que buscan la consecución del proceso orgánico del participante. El conocimiento del Actor sobre sí mismo.

– Ejercicios Grupales, que buscan el trabajo del actor y su relación con “El Otro”

– Trabajo sobre Escenas (Escogidas en el transcurso del Taller, o bien escenas que previamente esté trabajando el Actor Participante)

 

“El actor debe ser un observador atento no sólo en la escena, sino también en la vida real. Debe concentrarse con todo su ser en lo que lo atrae; debe mirar un objeto, no como un transeúnte distraído, sino con penetración, porque de lo contrario su método creador no guardará relación con la verdad de la vida ni con su época”.

Constantin Stanislavski

“El verdadero actor no actúa, sino que siente, crea y proyecta”

By Clairet Hernández

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