EL ACTOR MALTRATADO

Síndrome del Actor Maltratado

 

Una vez escuché un dicho que dice algo así (palabras más, palabras menos): «si no lo logras como actor, métete a profesor», como si «lograr ser actor» tenga que ver con lograr fama o fortuna, y como si para ser profesor de actuación no sea mucho más adecuado primero que nada ser actor/actriz.

Sin embargo, este refrán me hace reflexionar sobre el tema, cuando me topo (y me ha pasado muchas veces, lamentablemente) con un Actor Maltratado por ese ser que debería, además de instruirlo, impulsarlo, apoyarlo y contagiarle pasión por la actuación, brindarle las herramientas necesarias para crearle confianza y seguridad.

Profesores de actuación, como en todos los oficios o profesiones, hay de muchos tipos. Es decir, hay quienes dan su vida y brindan su pasión por enseñar y ayudar en la formación de un Actor, unos con más o menos talento, con más o menos don de enseñanza, con más o menos experiencia, con más o menos pedagogía o con más o menos background.

Hay quienes deciden dar clases por muchas razones: pasión, vocación, experimentación, etc. Algunos simplemente deciden que es una manera más estable de ganarse la vida dentro del arte actoral.Todos de una forma u otra merecen respeto, y sobre todo aplausos, ya que es muy loable lo que hacen. Es un acto de gran belleza y humanidad enseñar, brindar herramientas sin mezquindad y sin recelos para aportar al mundo un talento que ha empezado a pulirse, y que seguirá en ello.

Los que no merecen ningún tipo de respeto, y que deberían buscar otra manera de lidiar con sus fantasmas, son aquellos que cual maltratador/a se aprovecha de la vulnerabilidad de una persona para satisfacer sus bajos instintos…

Porque sí, no hay nadie más vulnerable que un Actor en formación, es decir, que ese alumno que se pone de pie frente a sus compañeros y realiza sus primeros ejercicios actorales. A los Actores, y sobre todo aquellos que hacen sus primeros pininos como alumnos tenemos que tratarlos con guantes de seda, pues están emocionalmente desnudos y con el miedo a flor de piel por la expectación de su futuro actoral.

Todos llegan a sus primeras academias, cursos o talleres actorales con una pregunta que les ronda en su cabeza: «¿seré realmente bueno/a para esto?», ”¿tendré realmente talento o será sólo una ilusión?» Y no es justo que un/a desalmado/a herido/a, se crea en el derecho de responder a esas preguntas de manera frustrante. Claro, esto no significa ser endeble, y no enseñarles de la disciplina del Actor (ese es otro tema).

He conocido a muchos Actores Maltratados, unos como alumnos, otros ya como colegas. Y tengo muchos ejemplos de estos casos que he conocido a lo largo de todos los años que llevo dando clases de actuación. Les cuento uno.

«hay que aguantarse, el profe es el que sabe y si grita es porque quiere que uno aprenda». Por mucho que traté de explicarle lo mal que estaba esa situación – que a mi parecer proviene de esa «vieja escuela» originada justamente por falta de formación de estos «profesores», pues no me imagino a Stanislavski, o algún otro gran Maestro, gritando, insultando o minimizando a sus Actores en formación- no quiso o no puso entender.

Entonces me di cuenta que era difícil sacarlo de allí, pues como todo ser humano maltratado, su razonamiento es parecido al «me hiere porque me quiere», «me humilla para que aprenda».

Este Actor que les comento ya presentaba toda la sintomatología del Actor Maltratado: un Actor carente de herramientas, con pocas posibilidades de crear, y que para salvarlo, porque sí es posible hacerlo, requiere de un proceso terapéutico importante que le devuelva la confianza, que le haga abra los ojos para que reconozca de qué y de quién ha sido víctima y, por supuesto, que le devuelva la capacidad de creer en sí mismo.

Un profesor maltratador, necesita una víctima para dominar y crearle dependencia. Es la forma que buscan acariciar su ego, a través del miedo, pretendiendo imponer respeto de una manera muy grotesca, cruel y por supuesto, sin una gota de ética.

Como consecuencia tendremos a un Actor indeciso y con una autoestima muy baja, o peor aún, un Actor que el mundo jamás disfrutará, un Actor no nacido, pues abandonará su sueño, su carrera, su Don de por vida.

Y ni siquiera estoy entrando en un tema también muy grave. El del «respetable» profesor o profesora conocido y admirado por muchos, pero que busca siempre aprovecharse del desconocimiento, de la ambición y la necesidad de reconocimiento del incipiente actor o actriz que llega sus manos, convirtiéndose en una relación protagonizada por el colchón y no por el escenario.

Por supuesto, aquellos Actores que no lo aceptan, quedan traumados ante esta primera gran decepción. Y es que esta primera impresión, quizás no les permite pensar en lo deprimente que son estos profesores y profesoras que tienen que usar este tipo de manipulación para poder acostarse con alguien, sino que muchos terminan pensando que será el común denominador en sus carreras, por lo tanto, prefieren desistir de su sueño.

Cuando un profesor de Actuación te diga que «eres muy joven», «muy viejo», «muy flaco», «muy gordo», «no tienes el look»… O peor aún, que «no tienes talento», huye, corre de allí y salva tu Don, salva tu anhelo, salva tu sueño, ¡salva tu vida!

Este es un tipo de VIOLENCIA que no debes permitir. ¡JAMÁS!

Hay algunos síntomas que debes tomar en cuenta para saber si has sido, o estás siendo víctima de maltrato, es decir, si eres un Actor Maltratado. Si sientes que tu profesor:

1. Desvaloriza siempre lo que haces: los ejercicios actorales que realizas, las improvisaciones y escenas en clase.2. No sientes que te hace una crítica constructiva, sino que más bien realiza una burla de tu trabajo.

2. Te hace sentir que eres un Actor poco talentoso o poco valioso frente a tus compañeros (colegas)

3. Desvaloriza e ironiza tus inquietudes, tanto de forma pública como privada.

4. Te sientes poco valorado. Sientes que tu esfuerzo y dedicación frente a un reto actoral no ha valido la pena, o que nunca es suficiente.

5. No valora ni respeta tus propuestas en clase.

6. Te compara con otros alumnos o actores, o incluso hasta con él mismo.

7. Sientes que no puedes manifestar tu opinión por miedo a que se enfade, te grite o haga comentarios hirientes.

8. Sientes que sin este profesor en tu vida, no lograrás sobrevivir como actor/actriz.

9. Sientes que te ha manipulado o maltratado, pero te dice que es por tu bien, para formar tu carácter como actor/actriz.

10. Te amenaza o advierte que si lo contradices te expulsará del curso o de la agrupación.

Si te sientes o has sentido así, quiero decirte que estás a tiempo. Huye de ese maltrato. Sana ese trauma. Si bien te

esté ocurriendo ahora mismo, o te haya ocurrido hace años, déjame decirte y pedirte que te des cuenta que EL PROBLEMA LO TIENE ESE PROFESOR MALTRATADOR. ¡NO TÚ!

Aunque suene a frase trillada, realmente NADIE es quién para decirte que NO puedes.

Retoma tu camino, retoma tu sueño, respeta tu Don.

Recuerda que al final, el Maltratador es una persona controladora, con muy bajo nivel de autoestima y que por ello necesita «bajar» a los demás, para no sentirse en el foso. Que además de ser muy inseguro de sí mismo, tiene poca capacidad para gestionar su propias emociones y empatía. Que este hombre o esta mujer fue victima y por ello ahora es victimario. ¡Rompe tú con esa cadena!
Por último, les comparto una historia que escuché hace poco y que tiene un gran su texto aleccionador:
«Esta la historia de una niña que desde muy pequeña había descubierto su gran pasión que era bailar ballet. Con la ayuda de sus padres empezó a recibir clases. Practicaba y practicaba sin descanso, soñando que algún día llegaría su oportunidad.

Pasaron los años y se conviertió en una adolescente muy talentosa y entregada a su Arte. Un día leyó en el período que llegaría a su ciudad un importante director internacional que buscaba nuevos talentos para que formasen parte de su compañía.

Pensando que había llegado su gran oportunidad, consiguió audicionar para él. Cuando terminó le preguntó ansiosamente: «¿Cree que tengo talento para convertirme en una gran bailarina?». «En absoluto. No tienes talento para convertirte en una gran bailarina, y menos en una bailarina excepcional», le contestó este afamado director.

El sueño de esta chica se le cayó en pedazos. De regreso a su casa tiró las zapatillas en un cubo de basura. Los años pasaron. Olvidó su sueño. Se casó, tuvo dos hijos, consiguió trabajo en un supermercado… Y así «vivía». Undía, en el mismo periódico, ests chica

lee que el director que había ido años atrás a buscar nuevos talentos, volvería a la ciudad a dar una representación de ballet. Quiso ir a verlo. Consiguió una entrada y fue con su marido.

Ella vibró, lloró, se emocionó a ver a esas bailarinas bailnado de una manera tan magnífica. Y como conocía a uno de los empleados del Teatro, consiguió ir acercarse al director al terminar la función.

«Lo primero que quiero es decirle que me ha parecido mágico lo que he visto. Quería darle la enhorabuena y darle las gracias. Ud. no se acordará de mi, pero estuvo hace muchos años en esta ciudad buscando nuevos talentos…»
«Sí, si, claro que recuerdo haber estado aquí», le respondió él.

Ella continuó: «Yo baile delante de Ud.?

«Ah sí? ¿Y que pasó?», preguntó el director.

«Pues, que Ud. me dijo que no tenía talento y abandoné mi sueño»

A lo que el director respondió: «Eso se lo digo a todos»

Ella muy emotiva le replicó: «¿Qué se lo dice a todos?»

-«Si, a todos», respondió él.

Ya muy alterada ella, le confrontó: «Yo abandoné mi sueño porque creí lo que me dijo, y ahora me comenta que eso se lo dice a todos?»

El director le aclaró: «Naturalente señorita. La vida me ha demostrado que al final quienes alcanzan sus sueños son los que creen más en sí mismos, que en lo que otros creen de ellos«

Este post se lo dedico con mucho cariño a todos esos Actores y Actrices que sólo se atreven a subirse al escenario en la intimidad de su almohada.

Pd: (Profesores, Actores: masculino y femenino)

Redacción: Clairet Hernández

SILVIA SANABRIA

"Cuando iba a comenzar a grabar mi serie "Servir y Proteger", comencé a busca cosas de "El Método" y en esa busqueda de coach de actores, me encontré por casualidad a Clay..."

CARMELA LLORET:

"Clay hace un trabajo profundo del personaje y de la escena, te ayuda de manera práctica y concreta, definiendo los verbos de acción a cada momento, y te estimula a que ..."

ARLETTE TORRES

"Contar con la asesoría y entrenamiento de Clairet ha sido todo un plus para mi trabajo. Es una gran profesional; asertiva e intuitiva en sus indicaciones y sugerencias..."

COACHING ACTORAL

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CONFRONTACIÓN DEL ACTOR

La empatía con nuestro personaje

 

Cuando nos toca trabajar un personaje que es muy diferente a nosotros, es decir, cuando sus valores, su punto de vista, su forma de ser es completamente distinta a nosotros, debemos usar una de las más esenciales herramientas para nuestro proceso de caracterización: La Confrontación.

Definiciones:

1 f. Careo o enfrentamiento entre dos o más personas.

2 Comparación, cotejo de una cosa con otra.

En la Actuación Orgánica, la CONFRONTACIÓN cumple a cabalidad ambas definiciones. Pues cuando nos llega un personaje «diferente a nosotros» debemos, y/o tenemos, que comenzar un proceso de CONFRONTACIÓN

De hecho, en el transcurso de la preparación actoral orgánica existe un ejercicio llamado precisamente: CONFRONTACIÓN. Dicho ejercicio lo ejecuté y aprendí en mi escuela de formación, y luego con los años lo establecí dentro del pensum de mi taller «LA ACTUACIÓN ORGÁNICA».

Consiste en defender una postura totalmente opuesta a la nuestra. Es decir, defender un tema del cual estamos totalmente en contra.

Un ejemplo propicio, debido al actual apogeo, es el tema del aborto. Si el actor o actriz está totalmente en contra del aborto, en su ejercicio tendrá el reto de defenderlo… Pero defenderlo visceralmente. 

Para lograr esto orgánicamente, sin fingir posturas, debemos pasar por un interesante y minucioso proceso de investigación. Mientras más investiguemos los porqués de quién piensa totalmente opuesto a nosotros, más podremos entenderlo, y más orgánicamente podemos aceptarlo.

¿Para qué, por qué y cómo hacer una CONFRONTACIÓN con nuestros personajes? 

Pues, para empatizar con el personaje… 

Es la mejor y más honesta manera de crear EMPATÍA con nuestro personaje, sobre todo si ese personaje es «diferente a nosotros» (si su postura ante la vida es diametralmente diferente a la nuestra). 

Si nosotros no lo entendemos, si ENJUICIAMOS sus acciones, jamás deberíamos interpretarlo, porque lo haríamos desde las afueras de nuestro ser, desde la critica, desde la señalización. Y a nuestro personaje tenemos que amarlo, o mínimo tratarlo con un gran amigo, para comprenderlo, para ponernos en sus zapatos, para VIVIRLO.

 

¿No creen que es difícil hacerse amigo de alguien a quien aborrecemos? 

Todo lo anterior resume la definición 1 de la palabra CONFRONTACIÓN… Pero… ¡Sorpresa!, está implícita la definición 2.

Pues sí. Los actores debemos tener una mente abierta y razonable, pero sobretodo un corazón que se sepa conectar con las diferencias, con lo contrario, con lo opuesto. Y durante el proceso de encuentro y análisis SEGURAMENTE busquemos compararnos y encontraremos que en esas diferencias conseguiremos una parte de nosotros que está escondida o reprimida y que nos da una bofetada, una hostia, que derivará -si decidimos adentrarnos- en un crecimiento personal… 

Por todo esto es que nos damos cuenta que Constantin Stanislavsky, llamó magistralmente «EL TRABAJO DEL ACTOR SOBRE SÍ MISMO» a la primera parte del proceso de formación, y que Strasberg respetó y afinó, sosteniendo siempre que los GRANDES ACTORES «trabajan en dos esferas: el trabajo del actor sobre sí mismo y el trabajo del actor sobre el personaje» (tanto en el proceso de formación como en el acontecer profesional). Y que Stella Adler lo sostenía también, con otras palabras pero con la misma sustancia: «Tienes que definir la diferencia entre tu comportamiento y el del personaje, encuentra toda justificación para las acciones del personaje, y continúa desde allí para actuar desde ti mismo, sin pensar dónde termina tu acción personal y empieza la del personaje»

Constantin Stanislavsky, Stella Adler, Lee Strasberg

Como siempre digo: Strasberg y Adler, se separaron y se adjudicaron entre sí interpretaciones erróneas del Sistema Stanilavskiano, pero en sí ambos iban en el mismo camino, por rutas paralelas, sólo que los carteles de señales eran un tanto diferentes… !!!Que gran legado el de los tres!!!

Con lo anterior me toca escribir lo que afirmo y afirmaré siempre: Los personajes te buscan… y llegan para enseñarte siempre. Así que sin que suene terapéutico, os recomiendo prestar siempre máxima atención a la «casualidad» del momento que estemos viviendo y la llegada de nuestro nuevo personaje…

¡QUE VIVA LA ACTUACIÓN ORGÁNICA!

Clairet Hernández 

SILVIA SANABRIA

"Cuando iba a comenzar a grabar mi serie "Servir y Proteger", comencé a busca cosas de "El Método" y en esa busqueda de coach de actores, me encontré por casualidad a Clay..."

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SÍ MÁGICO

Ponerse en los zapatos del personaje

 

Para hablar del Sí Mágico en la Actuación Orgánica, primero comencemos por hablar de los personajes. Como todos sabemos, los PERSONAJES son creados por el dramaturgo o guionista para desarrollar del TEMA de su obra.

Técnicamente hay PERSONAJES PRINCIPALES y SECUNDARIOS.

La misión de los PRINCIPALES es el desarrollo de la TRAMA, es decir, a través de ellos ocurren las ACCIONES principales.

La misión de los PERSONAJES SECUNDARIOS es servir como apoyo. Son herramientas importantes para determinar el éxito o el fracaso en la consecución de los OBJETIVOS de los PERSONAJES PRINCIPALES, o para desarrollar características importantes de los PERSONAJES PRINCIPALES. Por lo general estos PERSONAJES SECUNDARIOS carecen de información detallada acerca de su pasado, intereses, ambiciones, etc. Pero como sabemos que NO HAY papel pequeño, nosotros como actores del Método construiremos siempre cualquier personaje sea principal o no, y debemos trabajar la biografía de este personaje, si no está explícita, púes la crearemos nosotros (Biografía del personaje).

Ahora bien, ¿Qué es lo primero que debemos hacer cuando nos llega un personaje? –que como vamos notando en el transcurso de nuestra carrera, son los PERSONAJES los que nos encuentran (suena como algo místico, pero es muy real)

Luego de la primera lectura en solitario, y la lectura con el elenco o frente al director, y después de realizar un pequeño intercambio de ideas acerca de la obra- sin llegar jamás a la intelectualización de la misma- y del personaje, lo ideal es realizar una improvisación para «probar»el SÍ MÁGICO, para luego continuar con el desglose de la escena

El SÍ MÁGICO, como todos sabemos fue establecido por el padre de la Actuación Orgánica, Constantin Stanislavski, y no es otra cosa que «Ponerse en el lugar del personaje» o «ponerse en los zapatos del personaje», según las circunstancias dadas o, como yo prefiero llamarlo: los aspectos circunstanciales, y sobre todo, cuando hacemos la primera definición (primera, porque es muy probable que cambie según vayamos profundizando nuestro estudio del personaje) del SUPER OBJETIVO del personaje.

Pero OJO… ATENCIÓN:

Acá se suele caer en el error de malentender eso de «ponerse en el lugar del personaje» y por ello se cae en la CRÍTICA HACIA EL PERSONAJE, se comienza a JUZGARLO…

De actores o estudiantes de actuación he escuchado cosas como:

   «Mi personaje es de una mujer mala y chismosa, yo no soy así»

  «Este personaje es un malhechor. No puedo imaginarme siendo así, por eso no puedo hacer SÍ MÁGICO.

   «Ey, este personaje es un violador… ¿cómo puedo hacer un SÍ MÁGICO de eso? Es imposible…

   Y etc., etc., etc…

Si criticamos a nuestro personaje simplemente NO lo debemos hacer. Imagínate que conoces a alguien en una cita a ciegas, y desde el primer minuto empiezas a juzgarlo y criticarlo buscándole defectos… ya no hay una relación posible, por lo menos no una relación profunda… Eso mismo ocurre con nuestro personaje, no podremos tener una relación profunda si lo juzgamos por su vida y acciones #paralelismos

 

Para poner un ejemplo anecdótico:

Una vez comenzábamos un trabajo de escena en clase, de una obra sobre un triángulo amoroso (una comedia de situaciones) donde el personaje de «la esposa» está culminando de colocar la mesa para una cena familiar. En eso oye sin querer una conversación telefónica de su marido y descubre que éste le es infiel con su secretaria. Ella queda en shock e inmediatamente tocan el timbre y llegan los invitados. Ella rápidamente decide callar y disimular su estado emocional hasta que termine la cena y se vayan los invitados.

Cuando realizamos la primera improvisación sobre la escena, la alumna que le tocó realizar el papel de «la esposa», apenas se sentó a «cenar», empezó a tratar mal al «esposo» y en menos de 3 minutos lo atacó, dando alaridos e insultándolo.

Obviamente la escena se detuvo allí, y cuando le pregunté por qué lo había hecho, si justamente su OBJETIVO de ESCENA era disimular su estado emocional hasta el final… esta alumna en cuestión me respondió:

-«Mi SÍ MÁGICO fue ese: ¿Qué haría YO si descubro la infidelidad de mi esposo? y si yo descubro la infidelidad de mi esposo, no me lo callo y lo enfrento»

Le refuté:

-No!… La CIRCUNSTANCIA del personaje NO es tan simple como que acaba de descubrir la infidelidad del esposo. La CIRCUNSTANCIA es que DEBE DISIMULAR su estado emocional ante lo que acaba de descubrir. Me explico, tu SÍ MÁGICO debe responder a:

   «¿Qué haría yo si ACABO de descubrir que mi esposo me es infiel e inmediatamente DEBO disimular ante mi familia todo lo que este descubrimiento me hace sentir?»

O para ponerlo más fácil:

   «¿Qué haría yo si acabo de descubrir que mi esposo me es infiel pero debo quedarme callada mientras estoy en una cena familiar?»

Su respuesta fue: «Pues es bien idiota este personaje, porque yo ante nadie me trago una emoción así. Yo me pondría histérica…»

Entonces le dije: «Tenemos dos opciones: O realizas un verdadero SÍ MÁGICO, atreviéndote a ir más allá de lo simple y explorar la verdadera circunstancia de la escena, o dejar que tu prejuicio te aleje del personaje»

Hay que entender realmente el SÍ MÁGICO para que nos sea una herramienta útil, ya que hay piezas de teatro, guiones, que están tan bien escritos, con personajes tan reales, que es el único recurso que utilizaremos, es decir, no nos hará falta ninguna otra herramienta actoral, porque el SÍ MÁGICO nos dará el motor vital para el personaje.

Y aprovecho para resaltar que el SÍ MÁGICO siempre, SIEMPRE, siempre debe ser lo primero que vamos a buscar, experimentar. Siempre SIEMPRE siempre debe ser nuestro primer recurso. Con el SÍ MÁGICO comenzamos incluso las caracterizaciones de personajes totalmente opuestos a nosotros o no. Y esto lo resalto porque a veces (y es por ello que El Método está tan mal entendido), los actores de una vez y en primer lugar van y buscan emociones utilizando la herramienta de la MEMORIA EMOCIONAL, comenzando así un torbellino y un laberinto emocional que en vez de sumar a nuestro trabajo, hace restar todo proceso orgánico que vaya a nacer en nuestro proceso interpretativo.

EN LA PRÓXIMA ENTRADA HABLARÉ SOBRE LA MEMORIA EMOCIONAL y SUS MITOS

Repito entonces: el SÍ MÁGICO es lo PRIMERO que vamos a probar, a usar, a jugar, a sentir, antes de cualquier otro recurso orgánico. Para que sea efectivo, debemos estar lo más claros posibles de la circunstancia que vive nuestro personaje en escena. Jamás debemos juzgar dicha circunstancia, o sea, jamás debemos radicalizarnos y anteponer nuestra esencia personal… en otras palabras, como actores no debemos tener la mente cuadrada, debemos permitirnos JUGAR la realidad de la circunstancia del personaje…

Si usamos un SÍ MÁGICO bien estructurado, tenemos garantizado el proceso orgánico con nuestro personaje…

Les dejo una joya que está colgada en YouTube del Maestro…

SILVIA SANABRIA

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BUSCAR CORAZÓN DE LA ESCENA

El Desglose de Escena

El desglose de escena lo hacemos para interpretar, es decir, analizar un texto, la cual es una de las fases más encantadoras, creativas y sabrosas de los actores y directores.

Las técnicas de Interpretación de texto son trascendentales para el trabajo actoral y directorial.

Ya tenemos el papel, o roll… ya leímos la obra… ya hicimos la lectura con los compañeros, con el director… con todo el equipo.

 

La Interpretación del texto

Nos toca comenzar la «Interpretación del texto», para desglosarlo… para desmenuzarlo, encontrarle respuestas a los miles de “Por qués” que se originan al leer la pieza teatral y poder llevarla a escena imprimiéndole nuestro sentimiento personal como artistas, nuestro estilo, nuestra esencia y saber qué y cómo queremos plasmar el mensaje que encontramos en dicha pieza.

Todo esto debe hacerse procurando no intelectualizar nuestros razonamientos… podemos sentarnos miles de horas a hablar y crear teorías sobre cada escena, cada personaje, cada acción, pero esto es inútil, infértil, si realmente deseamos un resultado orgánico, pues, lo importante es definir los «Aspectos Circunstanciales» y probarlos en el escenario, en cada improvisación de escena… (Importante: los aspectos circunstanciales no es lo mismo que «circunstancias dadas», y cabe resaltar que aunque los definamos, nos podemos encontrar con que pueden cambiar en el transcurso de nuestro trabajo.)

Me explico mejor: Todas aquellas cosas que nos “parecen” o que instintivamente nos “surgen” debemos probarlas en escena, en improvisaciones, en ensayos. Jamás debemos tratar de dilucidarlas mediante un debate de ideas con el director o con los otros actores, pues esto desencadena justamente en la intelectualización de las ideas, lo que bloquea el proceso orgánico de crear y de “vivir la parte”, como diría Stanislavski.

Por ello se hace casi imposible trabajar con un director que de una vez quiera imponer su concepción de la obra y su idea de como tiene que ser cada personaje, que limite los primeros impulsos del actor, pues, está infringiendo la creatividad de éste, que fue justamente por lo que «luchó» Stanislavsky… el «director dictador»no debería ya tener cabida en ningún proceso actoral.

Además, lo que yo siempre afirmo: «El mejor director es el que no trabaja» (Ya lo explicaré en otro tema)

 

Pasos para interpretar un texto

Pasos a seguir para comenzar la interpretación de un texto:

  1. Lectura Fría: Para decir, y a la vez escuchar, por primera vez las palabras de la obra. Crear contacto
  2. Improvisaciones: Para experimentar el Sí mágico, la relación con el otro, los aspectos circunstanciales del personaje (predefinidos), el espacio, las acciones, las actividades, etc.
  3. Estudio de la Estructural Lineal, y la Estructura Emocional de la obra
  4. Desglose de Escena  

Ufff… Desglose de Escena… aquí junto mis manos y sueno mis dedos, porque es lo que más amo hacer con un texto!!!!

Un Desglose de Escena bien realizado es nuestra gran herramienta para el trabajo orgánico y para el esclarecimiento de nuestra escena, nuestro texto, nuestro guión, nuestro libreto…

Un Desglose de Escena bien realizado nos garantiza el esclarecimiento de:

 EL TEMA: Núcleo de donde todo parte. 

LOS PERSONAJES: Vehículo motor para el desarrollo del TEMA. Hay PERSONAJES PRINCIPALES y SECUNDARIOS (Básicamente, pero sabemos que se pueden dividir en más categorías técnicas)

Como actores del Método u orgánicos debemos construir SIEMPRE nuestro personaje, sea PRINCIPAL o SECUNDARIO con la misma pasión y entrega, es decir, debemos trabajar la biografía de este personaje y  si no está explícita, púes la crearemos nosotros

SUPEROBJETIVO: Motor principal de todo personaje.

LAS MOTIVACIONES: Racionalización mediante la cual el personaje justifica sus ambiciones.

LOS OBJETIVOS: Metas a corto plazo que se traza el personaje para la consecución de su SUPEROBJETIVO.

LAS ACCIONES: Deben se ACTIVAS, ya que están directamente relacionadas con lo que el personaje  desea lograr de otro, o hacerle a otro.

LOS MODIFICADORES: Situaciones y circunstancias que afectan a la manera de llevar a cabo las acciones.  

LAS ACTIVIDADES: El «Qué estoy haciendo»

Conclusión: Un Desglose de Escena bien realizado nos RESUELVE la obra

Me quedo con las ganas y la emoción de hablar sobre «Los Aspectos Circuntanciales», pero para poder extenderme más, lo haré en una próxima oportunidad.

Si deseas una sesión de coaching para preparar un trabajo actoral, entra aquí

Clairet Hernández

SILVIA SANABRIA

"Cuando iba a comenzar a grabar mi serie "Servir y Proteger", comencé a busca cosas de "El Método" y en esa busqueda de coach de actores, me encontré por casualidad a Clay..."

CARMELA LLORET:

"Clay hace un trabajo profundo del personaje y de la escena, te ayuda de manera práctica y concreta, definiendo los verbos de acción a cada momento, y te estimula a que ..."

ARLETTE TORRES

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CONEXIÓN CON «EL OTRO»

EL CONTACTO CON «EL OTRO»

Lo más importante en la escena en la «Actuación Orgánica»

Cuando pregunto ¿qué es lo más importante en la escena? a un estudiante de actuación o a un actor en ciernes (y a veces incluso a actores con trayectoria) normalmente comienzan a analizar y reflexionar y terminan respondiendo cosas como: «El texto», «el espacio», «el personaje», «el público», «el vestuario», » familiarizarte con la escenografía y la utilería»… Y sí, es verdad, todo esto es importante (incluso recuerdo una anécdota graciosa de un actor que respondió una vez: «el seguidor» -«la luz del seguidor») pero nada esto es LO MÁS IMPORTANTE, porque si no tomamos en cuenta LO MÁS IMPORTANTE, nada de esto cobra vida, nada de esto tendrá el Sentido de la Verdad necesaria para que la escena (sea de Teatro, TV o Cine) sea realmente vivída… Creíble.

Para todos los amantes de «El Método», para aquellos actores y actrices que deseen conocer más sobre lo que es la Actuación Orgánica, les subo acá un vídeo del Maestro Stanislavski, y de dos de sus discípulos: Lee Strasberg y Stella Adler (en cuyos legados se basa mi Taller «La Actuación Orgánica») donde hablan personalmente de puntos importantes sobre el Acting y el trabajo del actor…

 

Transcribo las palabras del Maestro:

Stanislavski:

«… ¿Qué han hecho cuando empezaron a actuar? ¿Habéis intentado adaptaros el uno al otro? 

¿O no?, ¿Os habéis sentido? ¿O no?, ¿Estabais concentrados? ¿O no?… ¿Y en qué consiste la comunicación?

¿De qué hablaba el Maestro? 

Cuando interiorizamos que una obra de Teatro o una película se realiza para probar la validez de un TEMA que «necesitó» expresar un dramaturgo o un guionista, para lo cual creó PERSONAJES, y que los ACTORES somos simple y sencillamente el vehículo que le da vida a esos personajes para que sea mostrada la historia que validará (o no) dicho TEMA, nos damos cuenta profundamente que, aunque son muy ricos los aplausos y las buenas críticas fortalecen el autoestima del Artista, los Actores somos «obreros» que debemos trabajar en equipo para cumplir con la labor… Y no hablo del trabajo en equipo del director con los actores, los técnicos, los productores, etc. Hablo del trabajo de equipo en escena, o sea, del trabajo entre los actores que comparten una escena.

En otras palabras: no estamos en escena para que se nos escuche bien, para vernos bonito o para conseguir admiradores, sino para trabajar PARA el otro… Y ese otro está allí, para trabajar para nosotros… Es un binomio, que aunque es lo más lógico del mundo, muchas veces cuesta hacerlo ver, y peor aún, cuesta hacerlo entender.

Entonces: LO MÁS IMPORTANTE EN ESCENA ES EL OTRO!!!!

Si estamos en escena pendientes únicamente del texto, de «no perdernos en el texto», de «mi próxima linea», y no estamos en un real y verdadero contacto con el otro, nada de lo que hagamos en esa escena será netamente vívido. Simplemente será actuado, y normalmente se realizará para «camelar» al público, lo que hace traicionar la máxima del trabajo sentido que estableció el padre de la Actuación Orgánica, Constantin Stanislavski«VIVIR LA PARTE»

La conexión es la clave, la conexión con el otro, que la logramos gracias a la conexión con nosotros mismos, es decir, la conexión con nosotros mismos permite que fluya la conexión con EL OTRO, y por ende todo fluye en la escena como debe ser.

No hay mayor ciencia: estamos allí en escena para trabajar para nuestro compañero de escena… Y viceversa

Para ellos, debemos ANCLARNOS en EL OTRO… Lo que está sucediendo de la Cuarta Pared hacia adentro es lo único que nos debe importar… Y con quién estamos de la Cuarta Pared hacia adentro?… pues, con EL OTRO!!!, por lo que repito: Qué es lo más importante en escena?…. EL OTRO!!!

Y qué sucede si estoy en plena escena y me desconecto, y me quedo en blanco (al actor más experimentado y talentoso le puede pasar, pues SOMOS SERES HUMANOS)… Si eso sucede, pues me anclo más profundamente en mi compañero y él (o ella) me salvará, porque él o ella, está allí trabajando para mí y lo más importante para él (o ella) soy yo (En escena por supuesto, Jejeje)

Y cómo me anclo? Sencillo: ESCUCHANDO al otro (CONTACTO)

Es algo así como las «Normas del buen hablante y del buen oyente»… Si tengo una conversación con una persona, y estoy ensimismada hablando y hablando, sin percatarme si esa persona me escucha, sin tomar en cuenta cómo le afecta lo que le digo, y sin permitir que se exprese… Pues ese » diálogo» pierde toda la importancia del mundo porque allí no sucede NADA… Y si un tercero (el público) está observando este momento, pues va a perder interés total y se marchará (física o mentalmente)

Ahora bien… Y si estoy sola en escena? Si es un monólogo? No tengo un OTRO? Cómo hago???

Un monólogo SIEMPRE, SIEMPRE debe tener un OTRO… En algunos monólogos ese OTRO será un personaje fuera de escena, un elemento (una foto, un fantasma, una escoba, un animal disecado, etc.), en otros monólogos, sin Cuarta Pared, ese OTRO es el público… Y nos anclamos en él…!

¿Por qué?

Porque la fórmula es:

EMISOR (yo) – MENSAJE (Texto) – RECEPTOR (el otro)

Entonces:

 

 

 

¿QUÉ ES LO MÁS IMPORTANTE EN ESCENA?… EL OTRO!!!

By Clairet Hernández

SILVIA SANABRIA

"Cuando iba a comenzar a grabar mi serie "Servir y Proteger", comencé a busca cosas de "El Método" y en esa busqueda de coach de actores, me encontré por casualidad a Clay..."

CARMELA LLORET:

"Clay hace un trabajo profundo del personaje y de la escena, te ayuda de manera práctica y concreta, definiendo los verbos de acción a cada momento, y te estimula a que ..."

ARLETTE TORRES

"Contar con la asesoría y entrenamiento de Clairet ha sido todo un plus para mi trabajo. Es una gran profesional; asertiva e intuitiva en sus indicaciones y sugerencias..."

LA CARACTERIZACIÓN

LA CARACTERIZACIÓN ORGÁNICA

Hablemos de un tema que tiene mil aristas y millones de incomprensiones: la caracterización en la actuación orgánica.

La Caracterización es una palabra que a veces da miedo a los actores, convirtiéndose en un acelerador de adrenalina, en un catalizador de riesgos, en una emocionante aventura o en un paralizador total de la verdad escénica.

He tenido conversaciones con actores, donde me doy cuenta que para ellos CARACTERIZAR es lo mismo que CARICATURIZAR. Pues tienen el concepto de que caracterizar tiene que ver con llevar al personaje al cliché o estereotipo per sé, creando entonces una caricatura del personaje (sea ficción de drama o comedia).

La caracterización en la actuación orgánica es otra cosa:

Caracterizar: https://definicion.de/caracterizar/

Caricaturizar: https://definicion.de/caricatura/

Ciertamente, existen ciertas similitudes o características similares en determinados grupos de individuos -estereotipos- bien sea por profesión, oficio, estilos de vida, situación geográfica, etc.

Esto no significa que sean iguales, pues todos los seres humanos somos distintos, obviamente, si deseamos una actuación orgánica todos los personajes deben ser distintos.

Un ejemplo muy fácil para ilustrar esto, es el típico personaje de «ladrón»:

Muchas veces podemos ver que hay actores que se van al estereotipo del hombre malo «maloso» – malo «malote», sin corazón, que pronuncia mal las palabras o que tiene un determinado tono de voz o que tiene ciertos gestos.

El resultado es, un personaje repetido hasta el cansancio y que seguramente no transcenderá en el espectador.

El actor debe trabajar el personaje desde el principio, desde el «Sí Mágico», o sea, desde adentro, y no desde afuera. Seguramente el resultado será muy distinto. 

Primer paso para la Caracterización en La Actuación Orgánica:

El Sí Mágico

SIEMPRE debemos comenzar por el «Sí Mágico«. Esto nos llevará a una caracterización orgánica. De lo contrario, simplemente realizaríamos una imitación del mundo de afuera, y esto es una limitante que nos bloquea un proceso fantástico de creación.

Los actores orgánicos trabajamos de «adentro hacia afuera» y no al revés.

Les copio acá el link sobre el «Sí Mágico»: SÍ MÁGICO

Luego del «Sí Mágico» contamos con un mundo de herramientas que nos da el trabajo orgánico para crear un personaje desde nuestras entrañas. Acá sólo voy a señalar dos ejercicios actorales, que sin importar nuestra experiencia como actores, siempre debemos hacer:

1- Monólogo de Profesión u Oficio, consiste en esa entrevista cercana y humana (o investigación) que nos lleva a la MOTIVACIÓN, al Punto Neurálgico del personaje. 

2- Confrontación, de la cual ya escribí por acá.

3- La Foto Hablada, un ejercicio apasionante, que debemos utilizar si vamos a caracterizar a alguna persona real viva o que haya fallecido, y quién nos es imposible conocer personalmente. 

4- Animales, el cual no es el típico ejercicio donde te piden que te imagines que eres un gato por ejemplo y empiezas a improvisar.

!No!, este ejercicio trata de un estudio detallado y minucioso sobre un animal y a través de varias etapas, llegar a su humanización.

De adentro hacia afuera

La caracterización en la actuación orgánica es de adentro hacia afuera, y no al contrario. Con estos ejercicios, y muchas otras herramientas se obtiene un fascinante trabajo orgánico de caracterización. En todos el proceso va de adentro hacia afuera, siendo lo de afuera (look, vestimenta, acento, etc) lo último, la guinda de la torta…

Hay actores que realizan una profunda caracterización para cada personaje, otros sólo para personajes «importantes», y otros jamás caracterizan, por lo que siempre están iguales.

Debemos siempre recordar algo muy importante: La Caracterización NO consiste en ANULARTE para ser otro… Eso no existe,es ireal pensarlo, es un mito romanticón… 

La Caracterización es un trabajo de adentro hacia afuera. Es un juego, serio, pero juego en sí, donde llegamos a ser una persona completamente diferente a nosotros, pero sin perder nuestra esencia.

Es decir, un mismo personaje puede ser caracterizado por dos actores diferentes, y jamás veremos el mismo resultado. Y si lo vemos, pues uno de los dos actores está solo haciendo una balurda imitación del otro.

Si deseas mayor información sobre La Actuación Orgánica, o estás en la preparación de un personaje, no dudes en contactarme.

SILVIA SANABRIA

"Cuando iba a comenzar a grabar mi serie "Servir y Proteger", comencé a busca cosas de "El Método" y en esa busqueda de coach de actores, me encontré por casualidad a Clay..."

CARMELA LLORET:

"Clay hace un trabajo profundo del personaje y de la escena, te ayuda de manera práctica y concreta, definiendo los verbos de acción a cada momento, y te estimula a que ..."

ARLETTE TORRES

"Contar con la asesoría y entrenamiento de Clairet ha sido todo un plus para mi trabajo. Es una gran profesional; asertiva e intuitiva en sus indicaciones y sugerencias..."

¿QUÉ ES EL COACHING ACTORAL?

Una guía para los actores

¿Es necesario el coaching actoral? Actualmente me encuentro realizando coaching actoral en Madrid para actores locales (coaching presencial) y actores en diversas partes del mundo (Chile, Argentina, México, Venezuela y Estados Unidos), y esta labor me ha permitido comprobar una vez más que uno de los momentos de mayor vulnerabilidad que padecemos los actores es cuando llega a nuestras manos un nuevo personaje, bien sea a través de la separata para un casting, de una nueva obra de Teatro o cuando comenzamos a sacar adelante un guión de cine o un libreto (personaje para ficción)

Es justo ese momento donde más se necesitamos de una guía, de un tercer ojo que nos coja de la mano y nos ayude a llegar a un lugar seguro. Y vale decir que no son únicamente los actores noveles o con poca experiencia quiénes necesitan un coaching actoral… ¡No!… Son TODOS, somos TODOS los actores los que necesitamos esa gran guía… Pues si investigas verás que Al Pacino o Nicole Kidman (por nombrar sólo dos actores mundialmente conocidos) no trabajan nunca solos, sino que siempre van de la mano de sus respectivos Coachs actorales.

 

Y ¿cuál es ese lugar seguro? 

Es el lugar llamado «Confianza«, donde nos vamos a sentir seguros y por ende nuestra capacidad creativa se exponencia a la máxima potencia.

 

¿Qué nos ha sentirnos seguros?

Tener un conocimiento detallado de lo que realmente sucede en la escena, de qué le sucede a nuestro personaje, es decir para qué y por qué está allí nuestro personaje.

 

¿Cómo llegamos allí?

Llegamos allí a través de un profundo y detallado desglose de escena

Desglosar es desmenuzar, deshacer, deshilachar, desentrañar, desembrollar un texto para DESCUBRIR el corazón del mismo.

Y justamente, allí empieza mi labor como Coach Actoral para trabajar tus escenas, interpretar el texto, analizarlo sin intelectualizarlo, entender al personaje: su Súper Objetivo, objetivos, acciones (verbos), motivaciones, o mejor explicado así: Yo te ayudo a establecer cuáles son las Acciones que realiza tu personaje para alcanzar los objetivos que se plantea motivado por lograr su SUPEROBJETIVO, es decir entender su razón de existir.

 

Coaching Actoral en Madrid y en cualquier lugar del mundo

¿Cómo trabajaremos la sesión de coach actoral?

-Comenzamos con la «Cold reading»

-Desentrañaremos el Sí mágico, la relación con el otro, los aspectos circunstánciales del personaje, el espacio, las acciones, las actividades, etc.

-Analizaremos la estructural lineal (parte objetiva de este análisis), en otras palabras, estableceremos los Momentos de la o las escenas.

-Analizaremos la estructura emocional (Tema, Personajes, Superobjetivos, Motivaciones, Objetivos, Acciones, Modificadores, Actividades)

-En medio de todo esto vas a ir aprendiendo el texto de la manera más orgánica, que es a través de la ilación de acciones.

 

¿Qué NO deberíamos JAMÁS hacer los actores?

JAMÁS deberíamos aprendernos el texto al caletre, porque eso hace que nos mecanicemos, que no encontremos nunca la vena vital de la escena. Es como cuando cantamos un himno nacional, o la canción de cumpleaños o una canción infantil… que nos la sabemos, pero la cantamos tan automáticamente que no la VIVIMOS…

Algunos actores optan por estudiar ese texto y buscar respuestas sin un orden u objetivos específicos -algo que no está mal- pero que corren el riesgo de la autodirección, lo cual puede ocasionar que en el momento de hacer el casting o ensayo, o filmación, mecanicen su propuesta, pues su preparación previa ha consistido en intelectualizar la escena y no en desglosarla.

 

¿Qué SI debemos SIEMPRE hacer los actores?

Los actores debemos SIEMPRE recordar la máxima número uno: DISFRUTAR el momento, sea cual sea la circunstancia del personaje, sea cual sea el compromiso de trabajo, pues cuando los actores dejamos de disfrutar la actuación, deberíamos buscar otra profesión…

Así que si deseas una sesión de coaching actoral de «LA ACTUACIÓN ORGÁNICA», de manera presencial o vía on línea, puedes escribirme por este medio o llamarme. Será un gran gusto atenderte.

Te dejo testimonios de algunos actores que han trabajado conmigo y que muy gustosamente han compartido sus experiencias con mi coaching actoral en Madrid y en otros países:

SILVIA SANABRIA

"Cuando iba a comenzar a grabar mi serie "Servir y Proteger", comencé a busca cosas de "El Método" y en esa busqueda de coach de actores, me encontré por casualidad a Clay..."

CARMELA LLORET:

"Clay hace un trabajo profundo del personaje y de la escena, te ayuda de manera práctica y concreta, definiendo los verbos de acción a cada momento, y te estimula a que ..."

ARLETTE TORRES

"Contar con la asesoría y entrenamiento de Clairet ha sido todo un plus para mi trabajo. Es una gran profesional; asertiva e intuitiva en sus indicaciones y sugerencias..."

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